CINE A DESCUBRIR: "MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES"

TÍTULO: MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES DIRECTOR: KENNETH BRANAGH REPARTO: KENNETH BRANAGH, EMMA THOMPSON, DENZEL WASHINGTON, KEANU REEVES, MICHAEL KEATON, ROBERT SEAN LEONARD DURACIÓN: 111 min. AÑO: 1993 GÉNERO: COMEDIA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Dentro de las adaptaciones de las obras de Shakespeare que se han realizado en el cine y, en particular, de las llevadas a cabo por el inglés Kenneth Branagh, "Mucho ruido y pocas nueces" es, sin duda, una de las más divertidas y frescas.

Planteada como una ingeniosa adaptación de la obra de teatro original, la historia da comienzo cuando un grupo de soldados, tras regresar de una contienda, descansa en la hacienda de un terrateniente italiano, de cuya hija se enamora uno de los soldados (Robert Sean Leonard - el doctor Wilson de la serie "House"). Sin embargo, la envidia que esto provoca en otro de los caballeros (Reeves) deriva en una conspiración contra la relación de la pareja que acaba provocando divertidos enredos y situaciones que acaban implicando a otra pareja, a priori enfrentada, pero que también acaba sintiendo la llama del amor (Thomspon y Branagh).

Branagh, buen conocedor de la producción del genio de Stratford, adapta esta obra con un sentido del humor encomiable, que no sólo la hace fácil de seguir al público que se no esté especializado con el estilo clásico de la pieza original, sino que hace fácil la identificación con los héroes del relato, el rechazo a los villanos de la función, y la compasión por los incomprendidos de la misma.

A las excelencias de la puesta en escena (esa luminosidad de los paisajes italianos, la simpatía de los habitantes y comadronas de la región...), hay que añadir el curioso aunque acertado reparto congregado para la ocasión: Denzel Washington demuestra por qué es uno de los mejores actores del panorama actual, Branagh y Thompson su calidad como actores curtidos en los prestigiosos escenarios de los teatros ingleses, Michael Keaton lo bien que se lo puede llegar a pasar como payaso de la función, y Keanu Reeves lo repelente que puede ser en ocasiones.

Además, sería injusto obviar la excelentísima música compuesta para la ocasión por el colaborador habitual del director, Patrick Doyle, quien realiza un trabajo ejemplar tanto en los momentos más melancólicos de la historia, como en la explosión de alegría de los bailes que interpretan todos los personajes, o poniendo música al recital "Sigh no more, ladies" con el que comienza y concluye la película.

Si no se acaban teniendo en cuenta pequeños puntos flojos en la cinta, como es en caso de la interpretación carente de garra de Keanu Reeves (el único intérprete que parece no saber qué hacer realmente con su personaje), o la clara separación de buenos y malos en el relato (los buenos son poco menos que santos, y los villanos más malos que un demonio), lo que acaba quedando es una película muy divertida, inteligente y simpatiquísima. Ideal para rescatar del baúl de los recuerdos y disfrutarla en buena compañía durante un tranquilo fin se semana. No se arrepentirán.

• MR HYDE DICE:

No suele ser frecuente que me interese una adaptación más de Shakespeare llevada al cine. Más que nada, porque aquellas que he visto, o me han parecido una chapuza redomada ("El sueño de una noche de verano - A midsummer night'¡s dream, 1999" ó "Titus - Titus, 1999"), o un rollo patatero (Ricardo III - Richard III, 1995"), o una ofensa al buen gusto ("Romeo y Julieta, de William Shakespeare - William Shakespeare's Romeo and Juliet, 1996").

Por eso, cuando Branagh, el único que parece tomarse un poco en serio este tipo de adaptaciones, rodó "Mucho ruido y pocas nueces", una obra menor en la producción del amigo Willliam, la curiosidad era considerable. Y, si no, no hay más que ver el peliculón que hizo el pollo al dirigir e interpretar su versión de Hamlet (nada que ver con ese coñazo que rodó Mel Gibson).

Pues bien, mereció la pena el tiempo invertido. La peli es divertida y, a ratos, cachonda como ella sola. Pasando por alto que Denzel Washington sea Don Pedro de Aragón - imagino que igual de creíble que Raphael hiciera de Rocky Balboa -o que Keaun Reeves no actúe peor porque no puede (mentira, sí que puede, sólo hace falta ver la mita de pelis que hace), pues el resto acaba siendo de lo más agradable.

Vamos, es la típica película que acaba siendo agradable de ver si la dan por la tele un domingo, o si algún amigo la consigue en DVD o Bluray y propone verla. Desde luego, no es el tipo de pelis en que te partes la caja todo el rato pero, al fin y al cabo, no todo se reduce a eso. Y saber apreciar una buena película como ésta, sin más pretensiones que la de hacer pasar una rato agradable y distraído es, desde luego, aconsejable.

NOVEDADES VIDEOBLUB: "LOS OJOS DE JULIA"

TÍTULO: LOS OJOS DE JULIA DIRECTOR: GUILLEM MORALES REPARTO: BELÉN RUEDA, LLUÍS HOMAR, JULIA GUTIÉRREZ-CABA, JOAN DALMAU, PABLO DERQUI DURACIÓN: 110 min. AÑO: 2010 GÉNERO: SUSPENSE

• EL DR. JECKYLL DICE:

Menos mal que hay productores con ojo que, de vez en cuando, la dan la posibilidad a un director de realizar una nueva película, con independencia de que su anterior propuesta no haya contado con el favor del público mayoritario. En el caso de "Los ojos de Julia", el productor avispado es el también realizador mejicano Guillermo del Toro, y el director afortunado Guillem Morales, que debutó en 2005 con la más que recomendable "El habitante incierto".

"Los ojos de Julia" comienza de forma harto intrigante: una mujer ciega se suicida y su hermana gemela Julia (Belén Rueda), de la que llevaba unos años distanciada, al acudir al entierro, comienza ver indicios de algo que le hace sospechar del aparente suicidio de su hermana. Lo que añade originalidad y grandes dosis de tensión al argumento es que tanto Julia como su hermana fallecida sufren una enfermedad degenerativa cuyo irremediable final consiste en la ceguera total.

Es precisamente en este mundo de la ceguera del protagonista, donde la historia aporta las mayores dosis de suspense. Si bien la primera parte de la película se centra en las pesquisas de la protagonista por seguir las pistas que parecen revelarle que su hermana no se ha suicidado sino que la han asesinado, la segunda mitad del relato se centra el en terror basado en la impotencia de la protagonista para escapar de la ratonera en la que se ha metido al no poder servirse de su vista.

"Los ojos de Julia" tiene momentos escalofriantes, como la secuencia en que Belén Rueda se mete, sin saberlo, en un vestuario de mujeres ciegas, o como cuando cierto personaje decide comprobar si, en efecto, Julia ha perdido la vista o aún puede ver (sin más comentarios acerca de este último momento). Desde luego, Guillem Morales ha exprimido al máximo una historia con gancho que atrapa al espectador desde su comienzo, obligándole a no apartar los ojos en la pantalla aún en los instantes más terroríficos.

El único punto débil de la cinta, posiblemente, sea consecuencia de ese afán por querer dar más de lo que la historia permite. Y prueba de ello es la forma innecesaria en que se alarga el tercio final de la película (el más flojo, dicho sea de paso), en que el personaje de la vecina de la protagonista (Julia Gutiérrez-Caba), también ciega, acaba jugando un papel decisivo, o ese epílogo que cae en la cursilería más evidente con el plano final que cierra la historia.

De todas formas, esto no desmerece el interés suscitado por "Los ojos de Julia". Al contrario, ojala el cine patrio fuera capaz de ofrecer al espectador películas como ésta, en que el interés se genera desde el mismo momento en que se apagan las luces. En lo que concierne a la interpretación de Belén Rueda, pues qué decir, aparte de que borda una vez más su personaje. Por mi parte, nada más que recomendarle que si acuden a su videoclub y la ven disponible, y quieren pasar en tensión un rato, no duden en alquilarla. Y, si son un poco miedicas, procuren verla en compañía de alguien (y con alguna luz encendida, por si acaso).

• MR. HYDE DICE:

Pues sí, coincido con Jeckyll, si el cine español fuera capaz de hacer pelis como ésta más a menudo, no habría ni crisis ni leches. Porque mira que somos capaces de hacer mierdas como pianos.

"Los ojos de Julia", de todas formas, tampoco es que sea el no va más del cine español, aunque también es verdad que comparándola con otras patatas más gordas que se han hecho, pues se agradece que al menos haya alguien que te cuente algo interesante. Y, si de paso, está bien hecho y gusta al público pues mejor que mejor.

Esta peli es intrigante como pocas. Además, por suerte, no cae en el recurso fácil de sacar ni fantasmas, ni muertos vivientes, o espíritus que acaben siendo los malos de la función. Casi todo lo que sucede en la peli puede pasarle a cualquiera, sin coñas sobrenaturales de ningún tipo. Eso sí, es obvio que se toman alguna que otra licencia para hacer la cosa más espectacular, y que hay escenas que te hacen fruncir el ojo ciego a cascoporro (el que no se haya estremecido con lo que le ocurre al personaje de la vieja en el ojo, no tiene sangre en las venas).

Pero todo esto hace que "Los ojos de Julia" sea una película entretenidísima y que, sin ser la típica peli esa de terror en la que todos los sustos consisten en que suena la música con un "tachán" a toda paleta para que el público salte del asiento, acaba resultando un espectáculo inquietante y muy recomendable.

Y quien sea un poco caguetas, podrá superarlo, que no es de esas en que la sangre parece que sale con grifo. De hecho, si no me equivoco, creo que en esta peli, sangre poca. Así que ya sabéis, a pasarlo pipa se ha dicho, que además la peli es española.

'Los ojos de Julia' - Tráiler definitivo español por elseptimoarte

CINE EN CARTEL: "CISNE NEGRO"

TÍTULO: CISNE NEGRO DIRECTOR: DARREN ARONOSFKY REPARTO: NATALIE PORTMAN, VINCENT CASSEL, MILA KUNIS, BARBARA HERSHEY, WINONA RYDER AÑO: 2010 DURACIÓN: 100 min. GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Perturbadora, desgarradora o inquitante. Cualquiera de los tres calificativos sirven tanto para describir la película como la magistral actuación de Natalie Portman, estrella absoluta de la función, y nunca mejor dicho.

Aronofsky utiliza como telón de fondo el mundo del ballet y como base del argumento la sustitución de la bailarina principal de la compañía (interpretada por una recuperada Winona Ryder) por una más joven (Portman), para confeccionar un complejo thriller psicológico en el que la obsesión por lo perfecto y el miedo al fracaso se entremezclan en un cocktail explosivo.

Portman interpreta a Nina, la bailarina protagonista de la película, y se enfrenta con sorprendente maestría a la enorme complejidad de un personaje en el que se entremezcla la transformación psicológica del personaje casi con la física, consiguiéndolo con una fuerza pocas veces vista en la pantalla grande.

Darren Aronofsky, por su parte, logra arrancar unas actuaciones espléndidas de todos los intérpretes, obteniendo, una vez más, resultados que dejan con la boca abierta. Basta recordar el tremendo tour de force que Mickey Rourke brindó en su anterior film, "El luchador - The wrestler, 2009", o la impactante interpretación de anciana adicta a las pastillas y obsesionada con los concursos televisivos que Belinda Blynhte bordó en "Réquiem por un sueño - Requiem for a dream, 2000".

Por desgracia, la brillantez de sus actuaciones no se encuentra del todo a la altura de la puesta en escena, que acaba resultando un tanto plana, a pesar del esfuerzo que realiza Aronofsky en alguna que otra escena onírica y, hasta cierto punto, pseudo-dantescas. No obstante, si lo que pretendía el director al insistir en la utilización de la cámara al hombro, o en esos constantes primeros planos de los actores, era introducir en mayor medida al espectador en el asfixiante mundo de la protagonista , el resultado es sin duda sobresaliente. Al fin y al cabo, estos detalles no constituyen ningún impedimento para que "Cisne negro", sin ser una obra maestra, sí se perfile como una película arrebatadora.

• MR. HYDE DICE:

¡Vaya tela de película! Ni "Scream", ni esas de los que saben lo que hiciste hace siete veranos, ni puñetas en vinagre. ¡Estas sí que es una peli acojonante! Pero de verdad, de las que te clavan en la butaca desde que empiezan hasta que acaban.

No me extraña que le hayan dado el Oscar a Natalie Portman. ¡Quién iba a decir que la niñita que hacía perder la cabeza a Jean Reno en "León (El profesional) - Léon, 1994", iba a ser capaz de actuar así. Es que te crees todas las ralladas de la tipa ésta, por mucho tutú que lleve. Y para ello, tanto le valen tics repetitivos (como cuando está venga a rascarse el sarpullido de la espalda), como las alucinaciones que tiene cada dos por tres (que nadie me diga que no deja sin comentarios el numerito nocturno con su "rival" en la compañía de ballet, o la visita que le hace casi al final a Winona Ryder en el hospital).

Ésta es una peli brutal, pero en el sentido más positivo de la película. Acabas siendo testigo del viaje a la autodestrucción mental de una pobre chica obsesionada con bordar el papel de cisne negro en una representación. Y lo que parecía el típico dramón de fracasos y superación, se acaba convirtiendo casi en una peli terrorífica como pocas veces se ven en una pantalla grande. ¡Dios mío, sólo hace falta recordar el momento en que la chica se intenta arrancar un padrastro, o cuando le pilla los dedos a su madre al cerrar de golpe la puerta! Hacía tiempo que no veía a la gente oprimírsele el corazón con algo similar.

Es recomendable para chicos, chicas, parejas, o si te aburres y quieres ver algo realmente acojonante. En serio, si la opción es ésta o una de tiros y explosiones (y mira que a mí me gustan a saco paco), merece la pena apostar por Portman. A veces, en los Oscar, se hace justicia (aunque no mucho, no creáis).

Cisne Negro Trailer Español por ent18

CINE ACTUAL: "(500) DÍAS JUNTOS"

TÍTULO: (500) DÍAS JUNTOS DIRECTOR: MARC WEBB REPARTO: JOSEPH GORDON-LEVITT, ZOOEY DESCHANEL, MATTHEW GRAY, GEOFFREY AREND. DURACIÓN: 95 min. AÑO: 2009 GÉNERO: COMEDIA ROMÁNTICA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Hace un año y poco que se estrenó sin mucho ruido (al menos en nuestro país) la película "(500) Días juntos", lo que no deja de ser una lástima, ya que el público no tuvo muchas posibilidades de desfrutar de una película amable y simpática como hacía tiempo que no se hacían.

La comedia semi romántica de Marc Webb no destaca únicamente por la frescura de su planteamiento - la relación de va y ven entre sus protagonistas, Tom y Summer - sino por cómo está presentada. La cinta no presenta una estructura lineal clásica, sino que avanza y retrocede en la historia formando así un conjunto de episodios que se complementan casi estupendamente entre ellos para dar forma a un divertido puzzle. Así pues, desde que la historia da comienzo en el día 400 y pico del tiempo que la pareja lleva saliendo, hasta un final espléndido, los personajes se le van presentando al espectador, sin prisas, y dándole el tiempo suficiente para que se involucre en la historia y sienta ganas de acompañarlos durante poco más de hora y media.

Aparte del planteamiento de la película, si hay algo que alabar en particular por encima del dinamismo y originalidad del film, es la actuación de un extraordinario Joseph Gordon-Hewitt (no en vano, fue nominado al Globo de Oro - junto con la película - al mejor actor en la edición de 2009). Este joven actor californiano, visto en otras y diferentes películas como "Origen - Inception, 2010" ó "G.I. Joe - G.I. Joe. Rise of Cobra, 2009", es capaz de otorgarle una humanidad y una simpatía al personaje de Tom memorables.

Así pues, resultan graciosas en particular escenas como la de Tom caminando por un parque, imaginando que el resto de transeúntes bailan y cantan a su son porque está contento de poder salir con la chica que le gusta, o aquella en que se pone a romper casi inexpresivo platos de cocina en el suelo tras una discusión con Summer o, incluso, las conversaciones que tiene con su hermana pequeña que hace de su consejera privada.

"(500) Días juntos" no se trata de una obra maestra de la comedia. De hecho, me atrevería a decir que está muy lejos de alcanzar tal distinción. Pero, que yo sepa, esto no ha sido nunca impedimento para hacer una buena película y que, de paso, agrade a quien ha pagado por verla. Y ésta consigue ambos objetivos.

• MR HYDE DICE:

Debo confesar que accedí a ver esta peli porque mi chica quería. A mí no me llamaba la atención lo más mínimo. Había escuchado que había tenido bastante éxito en América para ser una peli independiente (normalmente, esto suele ser sinónimo de bodrio del 15) así que, ya que tampoco tenía más remedio, decidí darle una oportunidad, a ver si sonaba la flauta.

Pues mira tú por dónde, que ha sonado. Es más, casi me alegré de que hubiera elegido ésta, y no la enésima castaña de Reese Witherspoon o una de esas de los vampiros pijos y hombres lobos chulo-piscinas de gimnasio.

La peli va adelante y atrás, aunque no al revés como sucedía en "Memento - Memento, 2000" ó "Irreversible - Irréversible, 2003", sino que va sumando o restando días del total de 500 que dura la relación de los protagonistas.

Lo bueno que tiene lo veo desde una doble perspectiva: que acaba gustando a las mujeres (no nos engañemos, son las que se deciden en mayor medida por una peli como ésta), y a los tíos les acaba pareciendo de lo más simpática y original.

No sé si será indicador de la calidad de la película, o si esta opinión será compartida, pero digamos que se trata de una peli que no me importaría volver a ver. Por lo demás, que cada uno la vea y saque sus propias conclusiones. Yo, desde luego, si quisiera pasar un rato agradable con mi chica, la elegiría.

CINE DE LOS 90: "BRAVEHEART"

TÍTULO: BRAVEHEART DIRECTOR: MEL GIBSON REPARTO: MEL GIBSON, SOPHIE MARCEAU, PATRICK MCGOOHAN, CATHERINE MCCORMACK, BRENDAN GLEESON, BRIAN COX DURACIÓN: 175 min. AÑO: 1995 GÉNERO: AVENTURAS - ÉPICO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Después de ver hoy en día "Braveheart", parece mentira que ya hayan pasado 16 años desde que se estrenó en cines. Esta aparente intemporalidad es, sin duda, una de las muchas cualidades que tiene la espléndida película dirigida por Mel Gibson.

Curtido mayoritariamente en el terreno de la actuación, la primera incursión de Gibson en la dirección dos años antes con "El hombre sin rostro - The man without a face, 1993" no parecía presagiar un destino tan prestigioso como el que el actor / director australiano ha acabado por consagrarse. Después de todo, parece que no perdió el tiempo aprendiendo cuando recibía órdenes de otros realizadores más reputados como Franco Zefierlli, Peter Weir, Richard Donner o Mark Rydell.

Desde luego, la labor de Gibson tras las cámaras es impecable, demostrando no sólo qué hacer con la cámara, sino sabiendo otorgarle a la historia el dinamismo y emoción que una película épica de estas dimensiones requiere. Desde luego, buena parte de ese mérito recaen en tres figuras clave de "Braveheart": el director de fotografía John Toll, que es capaz de retratar los verdes paisajes de la Escocia medieval con una belleza arrebatadora (no en vano ganó su segundo Oscar por su labor en esta película); el montador Steven Rosenblum (editor habitual del director Edward Zwick), sin la pericia del cuál, las escenas de batallas no tendrían ni el mismo ritmo ni la misma fuerza; y el compositor James Horner, capaz de aportar tanto el sonido al dramatismo y violencia de la historia, como el romanticismo a las escenas más emotivas del film.

"Braveheart" es una película que cumple perfectamente sus pretensiones, y aún va más allá. No sólo entretiene y emociona, sino que además hace que el espectador se meta de lleno en la historia del rebelde independentista escocés del siglo XIV William Wallace en su lucha contra los ingleses, sino que lo atrapa desde el comienzo y durante las casi tres horas restantes (cosa que no es nada fácil), logrando que se identifique con los principales personajes del relato.

Como dato curioso, apuntar que, en el momento de su estreno, se criticó severamente las dosis de violencia que contiene la película, evidentes en las abundantes secuencias de batallas. No obstante, a pesar de su crudeza, Gibson lo único que hace es presentar la historia tal y como sucedía en aquel momento de la historia, y esa violencia nunca se presenta de forma gratuita, sino justificada por los aspectos que se presentan en cada momento. Al fin y al cabo, sería absurdo rodar escenas de violencia descafeinadas, en las que a penas se apreciaran las consecuencias de los enfrentamientos (como igual sucede en los posteriores trabajos de Gibson como director: "La pasión de Cristo - The Passion of the Crist, 2004" y "Apocalypto - Apocalypto, 2006").

Sin embargo, esto no es impedimento para que "Braveheart" sea una película excelente donde las haya, emocionante y digna del mejor cine épico de la pasada década. Y si no, que venga un ángel y lo explique.

• MR HYDE DICE:

Muy, pero que muy guapa. Y mira que es larga, la puñetera. Pero, cuando acaba, como que te quedas con ganas de que te cuenten algo más. No sé si será por el tono algo pesimista del epílogo, pero recuerdo perfectamente el plano final de ese colega de William Wallace y cómo, justo a punto de besarle el culo a los ingleses en la rendición, tira el escudo al suelo, desenfunda la espada del Wallace, y la lanza al aire. Y, mientras ésta lo surca, los escoceses se encabronan y se lanzan al ataque en plan mariquita el último, justo antes de que la espada se acabe clavando en el suelo. ¡Ufff, sólo de pensarlo se me ponen los pelos de punta!

A estas alturas, hablar de "Braveheart" resulta casi anecdótico, puesto que casi todo el mundo la ha visto. Pero si tú eres uno de los que aún la tiene pendiente, no te lo pienses dos veces: vete corriendo a conseguirla (si es el Bluray mejor que en DVD) y póntela a toda paleta en el salón de casa. Y, si los vecinos protestan porque parece que la pelea está teniendo lugar en el salón de tu casa, siempre les puedes decir que sólo faltan dos horas y media para que acabe... Juas!

No, ahora en serio, la peli es muy muy chula. No me extraña que se llevara tanto Oscar. Mel Gibson (que está mejor como director que como actor) se lo ha currado a lo bestia, y la gente se lo ha sabido reconocer. De hecho, salvo mi hermana, no conozco a nadie que la haya visto que no reconozca enseguida que se trata de un peliculón (y, aunque lo niegue, mi hermana no lo reconoce porque se durmió enfadada nada más empezar la peli - sorry teta).

"¡Podrán quitarnos la vida! ¡Pero jamás nos quitarán... LA LIBERTAD!" Olé, con un par.

CINE DE LOS 80: "LOS GOONIES"

TÍTULO: LOS GOONIES DIRECTOR: RICHARD DONNER REPARTO: SEAN ASTIN, COREY FELDMAN, ROBERT DAVY, JOE PANTOLIANO, MARTHA PLIMPTON, JOSH BROLIN DURACIÓN: 111 min. AÑO: 1985 GÉNERO: AVENTURAS

• EL DR. JECKYLL DICE:

No es de extrañar que un realizador como Richard Donner, que en 1985 ya tenía en su currículum películas de aventuras como "Superman - Superman, 1978" o "Lady Halcón - Lady Hawk, 1985", amén de la aterradora "La profecía - The Omen, 1976", fuera el elegido por Steven Spielberg como el realizador adecuado para este proyecto, antes de consagrarse como uno de los grandes directores del cine de acción gracias a la serie de "Arma letal".

Partiendo de un guión escrito por Chris Columbus, futuro director de las dos primeras partes de "Sólo en casa" y "Harry Potter", y con Spielberg en la producción ejecutiva del film, Donner propone al espectador a una extraordinaria aventura, en la que el hallazgo de un mapa centenario y las pistas sobre la ubicación de un fabuloso tesoro se hacen con la atención del espectador desde el comienzo.

Resulta curioso que, siendo jóvenes adolescentes los protagonistas principales del relato, se pueda hallar en ellos una inocencia y hasta cierta ternura que, por desgracia, parece casi imposible de volver a encontrar en las películas más actuales. Así, el espectador no sólo se puede identificar en parte con cada uno de ellos, sino que se emociona con las mil y una peripecias que sufren en búsqueda de ese tesoro mítico, a la par que escapan de una familia de delincuentes que les persiguen sin tregua.

La cinta, sin llegar a ser ninguna obra maestra, es un no parar de aventura simpatiquísima, con momentos tan remarcables como ese siniestro órgano hecho de huesos, la entrada de los protagonistas en el pozo de los deseos, los túneles de agua (más parecidos a los de un parque acuático de hoy en día) y, evidentemente, todo lo que acontece en el apreciado barco pirata.

Donner, consciente de la gran oportunidad que tiene entre manos para agradar a la platea, aporta su toque personal en secuencias muy hermosas, como la que se desarrolla en el pozo de los deseos como mencionábamos anteriormente, en la aportación del personaje de un impagable Sloth (extraordinario cómo un ser tan aprensivo a primera vista acaba resultando de lo más tierno), o ese plano de los personajes introduciéndose en un túnel que, cuando la cámara se aleja, abre una panorámica en que las piedras adquieren la forma de una calavera.

Se trata, sin duda, de uno de los referentes por excelencia del buen cine de los 80 y consigue que, aquellos que tuvimos la suerte de disfrutar de la película cuando éramos críos, sonriamos casi con nostalgia cuando la evocamos.

• MR HYDE DICE:

Pues sí, coincido con Jeckyll. Recuerdo ver "Los Goonies" en el salón de mi casa y fliparla con todas las movidas que les pasan a los personajes. Aunque también era una época en que nos bastaba con cerrar los ojos para imaginar que nosotros también participábamos de esas aventuras; una época en que jugábamos a la pelota en un parque y no nos agilipollábamos en casa como zombis con una máquina de matar marianos. Pero bueno, que me empiezo a poner filosófico y me desvío del tema...

"Los Goonies" es un entretenimiento de primera. A los que ahora rondan la treintena (incluidos los que la pasan unos años, hasta buena parte de veinteañeros) puede que aún la recuerden como la peli guay de aventuras que es. Aquellos que ya eran más mayores cuando salió, seguro que la pueden ver de nuevo y pasar un buen rato. Y los más "peques" que aún no sepan de qué va, pues no sé a qué esperan para ponérsela a la de ya.

Como película dentro de la historia del cine, no representa ningún hito. Aunque, que yo sepa, eso nunca ha sido impedimento para que una película esté bien hecha, bien interpretada pese a la juventud de los actores (brutal el Sloth ese, el chinaco de los inventos diciendo que Michael Jackson había entrado a mear en su casa, el primo que no se calla ni a la de tres, o el gordo meneando el ombligo), y con una emoción que la convierte en la película de una generación de jóvenes.

En fin, que si tenéis ocasión de verla, la recomiendo de corazón. Seguro que no os arrepentís.

LUNES - CINE CLÁSICO: "CASABLANCA"

TÍTULO: CASABLANCA DIRECTOR: MICHAEL CURTIZ REPARTO: HUMPRHEY BOGART, INGRID BERGMAN, PAUL HENREID, CLAUDE RAINS, PETER LORRE. DURACIÓN: 102 min. AÑO: 1942 GÉNERO: POLICÍACO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Me pregunto si, cuando el equipo técnico y, especialmente, artístico de "Casablanca" estaban rodando la película, a alguno de sus componentes se le pasó por la mente que quizás estaban creando una de las mejores películas de la historia del cine. Desde luego, no es tarea fácil, y mucho menos teniendo en cuenta que aún no habían llegado a la mitad del siglo XX, y que aún faltaba mucha agua por caer.

Sea como sea, de lo que no hay duda es que el término obra maestra se le queda corto a una película tan magnífica como ésta, se mire por donde se mire: en las líneas de diálogo (las conversaciones de Rick - Bogart - con su fiel Sam - Dooley Wilson - ), las contestaciones tajantes de Rick a Ilsa (Bergman) como forma de disimular su despecho, o los piques constantes entre éste y el agente de policía interpretado por un fantástico Claude Rains.

Es imposible destacar un sólo momento por encima de otro, desde el famoso "tócala otra vez, Sam", que pronuncia Ingrid Bergman casi en un susurro de súplica, pasando por el "siempre nos quedará París" con el que Bogart abandona casi por primera (y única) vez en su carrera el papel de tipo duro para mostrar que no todo él estaba hecho de piedra o, por supuesto, la guinda perfecta del pastel que es "éste podría ser el comienzo de una larga amistad", dejado caer casi sin importancia mientras la cámara se aleja en picado sobre Bogart y Rains en el aeropuerto, con cuyo plano final concluye esta joya del séptimo arte.

De hecho, a pesar de que el tiempo no perdona prácticamente a nadie (y aún menos en la industria del cine), si se vuelve a ver "Casablanca", el espectador termina por darse cuenta de que la historia que se le está contando no le resulta tan antigua. Se han hecho montones de películas desde entonces acerca de la amenaza que suponía el espionaje nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Por consiguiente, acaba siendo tremendamente fácil dejarse seducir por la mirada única de Ingrid Bergman (pocas veces unos ojos han sido capaces de expresar tanto en una pantalla de cine), o por la chulería no carente de sentimientos de un Bogart insuperable.

Insisto de nuevo: una auténtica OBRA MAESTRA. Así, en mayúsculas.

• MR HYDE DICE:

A Dios gracias que aún no se le ha ocurrido a ningún espabilado de Hollywood hacer un remake de esos que están tan de moda y cagarla a base de bien. "Casablanca" es única, y punto. Y al que no le guste el blanco y negro, o piense que una película de más de 60 años es un tostón, pues mejor, que al fin y al cabo, ya lo dice el refrán: "no está hecha la miel...".

De hecho, al hacer ahora esta reflexión, la única tentativa reciente que me viene a la memoria es ese pseudo-homenaje que Steven Soderbergh y George Clooney quisieron hacer hace unos años a la cinta de Michael Curtiz, y que se llamó "El buen alemán - The good German, 2006). Aunque ya digo que más que una copia, se trata de un homenaje de lo más recomendable.

No obstante, volviendo a "Casablanca", ésta es una peli, si me permitís la comparación, como el bocado de foie-gras de pato más exquisito: para disfrutarlo hay que estar relajado, dispuesto a saborear cada momento y, si puede ser sentado en un sitio cómodo y con la compañía adecuada, mejor que mejor.

Sé que la mayoría de los que leáis esto no me haréis caso (peor para vosotros, amiguetes), pero os aconsejo vivamente que no os la perdáis. Si no sois amantes del cine clásico, veréis una buena película que engancha de principio a fin; y, si sois algo más entendidos en la materia, creo que sobran las palabras.

VALOR DE LEY (2010)

TÍTULO: VALOR DE LEY DIRECTOR: JOEL & ETHAN COEN REPARTO: JEFF BRIDGES, HAILEE STEINFELD, MATT DAMON, JOSH BROLIN, BARRY PEPPER. AÑO: 2010 DURACIÓN: 110 min. GÉNERO: WESTERN

• EL DR. JECKYLL DICE:

No es que últimamente me haya aficionado a las películas del Oeste. Sin embargo, he tenido ocasión de ver hace poco la última propuesta de los hermanos Coen, y me ha parecido interesante compartirla con todos ustedes.

A mí, particularmente, me asombra la versatilidad de estos dos hermanos de Minneapolis. Valen tanto para un roto como para un descosido, sin ánimo de menospreciar su capacidad para atreverse con cualquier género, en absoluto. Tan pronto ruedan una excelente película de gangsters ("Muerte entre las flores" - Miller's Crossing, 1990"), como una inteligentísima comedia ("Crueldad intolerable - Intolerable cruelty, 2003"); y, con la misma facilidad con que se adentran en el género policíaco ("No es país para viejos - No country for old man, 2007"), luego presentan una comedia musical ("O brother! - O brother, where are thou!, 2000"), o una ácida sátira del costumbrismo de las familias judías de clase media ("Un tipo serio - A serious man, 2009").

En este caso, los hermanos Coen se proponen ir un paso más lejos, atreviéndose a adaptar la novela de Charles Portis, más conocida en el mundo del celuloide por tratase de la historia que dio pie a una versión anterior, y que protagonizada por John Wayne le supuso su único Oscar tras décadas de carrera.

Jeff Bridges es el encargado en este remake de interpretar al sheriff retirado y borrachín que es contratado por una niña (Steinfeld) para dar caza al asesino de su padre (Brolin), para lo que se deja ayudar por un ranger (Damon) decidido también a atrapar al bandido.

La interpretación de Bridges, quien ya había colaborado previamente con los Coen en la inclasificable "El gran Lebowski - The big Lebowski, 1998", resulta muy acertada (como prácticamente sucede con la mayoría de papeles a los que da vida el genial actor), y las de Damon y Brolin, bastante ajustadas, a unque menos lucidas. Sin embargo, si merece la pena alabar la actuación de alguien es de la joven promesa Hailee Stainfeld, quien se adueña del relato desde las primeras secuencias y hasta la práctica conclusión del mismo. Apoyada en un solidísimo guión (formado también por los hermanos Coen), Stainfeld muestra un arrojo, un porte, y un carácter realmente asombrosos. No en vano, fue candidata al Oscar como mejor actriz de reparto (lo podría haber sido sin problema al de mejor actriz protagonista) por su caracterización de Mattie Ross.

Por lo demás, dejando a un lado las interpretaciones, la película se deja ver con agrado, gracias a la cuidada planificación de los Coen, así como a la ambientación de todos los escenarios que recrean ese salvaje Oeste casi crepuscular, o a la fotografía del veterano y siempre eficaz Roger Deakins (quien, ha sido el responsable de fotografía de la práctica totalidad de las películas de los Coen).

No obstante, una vez finalizada la película, uno parece quedarse con ganas de algo más; como si casi pudiera percibirse una cierta frialdad por parte de sus responsables por no querer que el público se meta más en la historia, y como si esa aparente frialdad ayudara en parte a su desarrollo. Posiblemente, se trate de una decisión consciente y deliberada pero, de haber procurado integrar un poco más al espectador en la historia que se cuenta, la satisfacción de la platea hubiera podido ser un poco mayor. Lo que, por otra parte, no debe ser un impedimento para que se disfrute de la excelente película que es (comparaciones con el film original aparte).

• MR. HYDE DICE:

Está chula. No es que sea un peliculón, pero mola ver cómo la cría demuestra tenerlos más bien puestos que todos los vaqueros tipos duros que desfilan de un lado a otro. Jeff Bridges demuestra que no hay héroe borracho que se le resista (acordaros de "Corazón rebelde - Crazy heart, 2009" o "El rey pescador - The fisher king, 1991"), y Hailee Steinfeld que se ha puesto el listón tan alto que siento curiosidad por verla de nuevo en otra película.

En cuanto a la peli en sí, pues hombre, entretiene y se nota que se han dejado los cuernos en hacer una buena película, pero te quedas un poco con ganas de algo más, como si se echara en falta un colofón final en el enfrentamiento con el malo y su banda, que estuviera a la altura del resto que hemos visto antes. Posiblemente, sea porque ya estamos acostumbrados a los duelos finales explosivos, como puede pasar con las pelis de James Bond o en las de "Misión imposible", en la que el bueno y el malo se pasan los 15 minutos finales dándose de galletas hasta que vence el justo.

Pero vamos, que matices aparte, es una película muy digna que merece la pena el desembolso de los 7 euros y pico que cuesta la entrada para verla (desde luego, mejor opción que pagar por ver la mayoría de paridas que inunda ahora la cartelera). Posiblemente, no la vuelva a ver de nuevo al no se que la pasen por la tele, pero eso no quiere decir que no me haya gustado. Luego, que cada cuál saque sus propias conclusiones.

CINE DE FINDE: "EL MOTORISTA FANTASMA"

TÍTULO: EL MOTORISTA FANTASMA DIRECTOR: MARK STEVEN JOHNSON REPARTO: NICOLAS CAGE, EVA MENDES, WES BENTLEY, PETER FONDA, SAM ELLIOTT AÑO: 2007 DURACIÓN: 105 min. GÉNERO: ACCIÓN / AVENTURA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Adaptación (y van...) del cómic "Ghost rider, el motorista fantasma" que, como tantas otras creaciones de la factoría Marvel, ha tenido su correspondiente adaptación cinematográfica.

En este caso Nicolas Cage se mete en la piel (y esqueleto, si me permiten el chiste fácil) de Johnny Blaze, un motorista que, al inicio del film, hace un pacto con el diablo (Fonda) para poder salvar la vida de su padre. Como consecuencia, pasados los años, el averno le pide que se haga "cargo" (definición: "hacerse cargo" = "eliminar") a su hijo rebelde (Bentley), para lo que contará con la ayuda de unos super poderes hasta el momento desconocidos, y de un inesperado aliado interpretado por el siempre eficaz Sam Elliott.

El director Mark Steven Johnson, quien ya se hiciera cargo unos años antes de otra adaptación de cómic, "Daredevil", procuró ahondar más que en su anterior film en el lado oscuro del héroe de la función, hasta el punto en que a uno a veces no le llega a quedar claro si el bueno de turno es el pobre condenado a satisfacer las condiciones de un pacto siniestro o si, por el contrario, o los pobres descarriados que se acaba topando con el improvisado justiciero.

Eso sí, hasta aquí la única moraleja que se le puede sacar a "El motorista fantasma", y eso después de reflexionar mucho. Porque la película es una sandez de mucho cuidado. Desde luego, con los ingredientes de los que se dispone a priori, podría haberse logrado una cinta de más qualité, (algo así como lo que logró Christopher Nolan con esa maravilla que es "El caballero oscuro - The dark night, 2008). Sin embargo, para desgracia del espectador, el director se limita a mover la cámara casi con la misma desgana con la que Cage recita sus líneas de diálogo.

Después de verla, uno no puede menos que preguntarse qué caray le pasa a Nicolas Cage, y si no debería deshacerse cuanto antes del agente tan espabilado que le recomienda participar en proyectos como éste. Y eso por no mencionar "60 segundos - Gone in 60 seconds, 2000", "Next - Next, 2007", "Bangkok dangerous - Bangkok dangerous, 2008", o la recién estrenada "Furia ciega - Drive angry, 2011". Desde luego, parece mentira de alguien capaz de ofrecer interpretaciones tan desgarradoras como las de "Leaving Las Vegas - Leaving Las Vegas, 1995" o, incluso, "World Trade Center - World Trade Center, 2006".

Por suerte, por la cinta también se pasea Eva Mendes, que consigue ponerle una pizca de ternura al relato con su interpretación de damisela condenada a no poder estar con el hombre que ama.

En fin, que "El motorista fantasma" se trata de una película que distrae y punto. Si está aburrido el sábado por la tarde en casa y la tiene cogiendo polvo por casa, o la ponen en algún canal de televisión, quizá le ayude a pasar poco más de 100 minutos.

• MR HYDE DICE:

Ufffffff... ¡Peazo película! Dios Santo, no es más cutre porque no puede. Y eso se lo dice alguien que pagó por verla en la pantalla grande.

Nicolas Cage está para pegarle un tiro con esa cara de estreñido que pasea por la película (y digo yo, que tener babeando al lado a Eva Mendes debería ser motivo más que suficiente para estar alegre, ¿no?), los actores quieren hacerse el interesante con personajes que dan más risa que miedo (¡Ay Peter Fonda, qué ha sido de ti... si tu papá levantara la cabeza!), y el resto pues... basta decir que lo cocina el mismo tipo que ha hecho otras perlas como "Daredevil" (otro peliculón de cataplín de pato). Casi ná. A mí me daría hasta ponerlo como currículum.

Pero mira tú por dónde que la peli acaba ingresando más de 100 millones de dólares sólo en EEUU (ojo al dato), así que los espabilados de Jolibú ya están pensando en hacer una segunda parte. Cuidadín.

Como dice ese pavisoso de Jeckyll, si uno se aburre y no tiene nada mejor a mano, pues nada, se la papa y la olvida en cuanto empiezan a salir las letras. Y si no que se lo pregunten a un amigo mío, que jura y perjura que le dio vergüenza ajena verla en vídeo. Me pesa decirlo, pero lo cierto es que razón no le falta (pero no se lo digan, que es un secreto).

CINE DE CARTELERA: "TORRENTE 4. LETHAL CRISIS"

TÍTULO: TORRENTE 4. LETHAL CRISIS (CRISIS LETAL)
DIRECTOR: SANTIAGO SEGURA
REPARTO: SANTIAGO SEGURA, FRANCISCO RIVERA PANTOJA "PAQUIRRÍN", TONY LEBLANC, ENRIQUE VILLÉN, FRANCISCO.
AÑO: 2011
DURACIÓN: 93 min.
GÉNERO: COMEDIA

• EL DR. JECKYLL DICE:

En realidad, no sé muy bien por dónde empezar la crítica de una película como esta. No sé si hablando de la experiencia de su director en el terreno (quien, en realidad, se ha limitado a ejercer tales funciones en las 4 partes de "Torrente"), si dando fe del interminable cameo de caras conocidas, o si confesando sin tapujos lo repugnantes que son algunas de las escenas.

Como película (y con ello me refiero a la planificación de sus secuencias), es más plana que el coeficiente intelectual del escarabajo de la patata; como ejemplo de actuación, creo que basta recordar que deambulan por ahí Paquirrín, la Estéban y no sé cuántos más frikis; y como historia... pues eso, que mejor correr un (es)túpido velo sobre el asunto.

Eso sí, que nadie se engañe: en ningún momento, la intención de los responsables de este despropósito que es "Torrente 4" han pretendido dar lecciones de cine a nadie. Es más, casi parece que se empeñe en ser lo más grotesco, guarro y burdo posible. Y, si aún se puede llegar más lejos, pues para qué quedarse con las ganas.

En fin, que quien espere encontrarse con algo diferente a las 3 primeras entregas, que se ahorre la entrada (de hecho, me pregunto, ¿de verdad hay alguien tan desconectado del mundo que se esperaba algo diferente a lo que es?). De lo contrario, que sepa asistirá a una lección magistral sobre cómo hacerle oler al prójimo las ventosidades propias, cómo conseguir que una novia te haga una felación el mismo día de su boda, o. ya puestos, cómo introducir un teléfono móvil en la cárcel sin que éste sea detectado. Y lo siento, pero sobre esto último no pienso dar más detalles. Los que no sean aprensivos y disfruten con el sinsentido que es "Torrente 4", desde luego, están de enhorabuena.

• MR. HYDE DICE:

¡Pero qué despropósito, ni qué niño muerto! Con esas me sale ahora, mi primo. "Torrente 4", ni más ni menos, tiene exactamente las mismas chorradas que la 1, la 2 y la 3. Así de claro. ¿Obra maestra del cine español? Juas! Sí, sí, claro, claro, ahí le han dado, entre las películas de Garci y Saura.

Pero vamos a ver, almas de cántaro, a quién en su sano juicio se le ocurre meterse a ver a José Luis Torrente, si no es acompañado de tres o cuatro colegas, y con unas cuantas cervezas en el cuerpo? Y lo siento por las señoras que se puedan sentir excluidas, pero las cosas claras: está claro a quiénes va dirigida la película. ¿O acaso les parece normal que la frase más conocida de la peli sea: "Torrente... ¿Nos hacemos unas pajillas?".

Yo, particularmente, reconozco que me lo pasé bien con las chorradas que hace el gordo, con los cameos de la peña de frikis salidos de los "realities" deluxe (ahora llaman así a las mierdas empaquetadas en formato televisivo), y con las guarradas del este tipet. Al fin y al cabo, es la mejor manera de ver una película como ésta: sin exigirle nada, teniendo claro que vas a ver una de marranadas a cuál más repelente, y que cuando acabe, todo el mundo tiene claro que es una mierda de película pinchada en un palo pero con la que, al menos, te has reído hora y media.

CINE EN CASA: "APPALOOSA"

TÍTULO: APPALOOSA DIRECTOR: ED HARRIS REPARTO: ED HARRIS, VIGGO MORTENSEN, RENÉE ZELLWEGER, JEREMY IRONS, ARIADNA GIL AÑO: 2008 DURACIÓN: 107 min. GÉNERO: WESTERN

• EL DR. JECKYLL DICE:

No sé por qué, últimamente, resulta bastante complicado encontrar un western entre la enorme masa de películas que se estrenan en salas. Da la sensación de que, en Hollywood, aún dura la resaca del torrente exagerado de películas del lejano Oeste que inundaron las pantallas hace 50 años.

Posiblemente sea por ello que, cuando se presenta una película como "Appaloosa", enmarcada de lleno en este género, dirigida con mano firme por quien posiblemente sea uno de los mejores actores contemporáneos, Ed Harris, y con un reparto de actores que rara vez se pierden en sus personajes (Mortensen, Irons), las expectativas se encuentran más altas de lo normal.

Y tal vez sea este el error a la hora de ver "Appaloosa", pretender que la película nos descubra algo nuevo y emocionante, que se pueda diferenciar de lo que ya hemos visto una y otra vez en las películas del Oeste. Pero, lamentablemente, no es así. No estoy diciendo que "Appaloosa" sea una mala película, ni de lejos, más bien al contrario. Se trata de un western filmado con eficacia, con un guión sólido, y con intérpretes que, como señalaba antes, hacen suyos los personajes desde el comienzo (a pesar de que la actuación de Zellweger acabe siendo uno de los puntos más flojos del film).

Harris parece querer aportar a la historia una puesta en escena excesivamente clásica, de ahí que la emoción reflejada en secuencias como la de la captura Randall Bragg, jefe de los bandidos (Irons), o el posterior enfrentamiento entre Cole y Hitch (Harris y Mortensen, respectivamente) con dos funcionarios de la ley corruptos, contraste con el aparente aburrimiento de otras que tampoco aportan demasiado a la historia, como esas conversaciones en el saloon, o los paseos por el pueblo que da título al film.

"Appaloosa" no supone ninguna revolución dentro del género. Se trata de otra película más del Oeste, con sus defensores incondicionales de la ley, y la banda de forajidos despiadada que atemoriza la región. Por lo demás, el resto que queda es poco más de hora y media de una película más que correcta.

• MR. HYDE DICE:

Psé, no es para tirar cohetes, pero tampoco es un tostón. Aunque resulta un poco lenta por momentos, se deja ver con agrado. No tiene el sentido del humor de otras pelis más chulas del Oeste como "Sin perdón - Unforgiven, 1992" o "Silverado - Silverado, 1985" (esta última me sigue pareciendo hoy en día una de las más chulas y entretenidas), pero tampoco acaba siendo un coñazo tremendo como sí le pasaba a "Wyatt Earp - Wyatt Earp, 1995".

Vamos, que si da la casualidad de que la tienes en casa, te aburres y no tienes nada mejor que hacer (te han dejado un rato de asueto, tus amigos aún no pasan a buscarte, a tu pareja no le gustan las del Oeste, o tu mujer se ha llevado a tus nenes - María y Diego - de paseo...), pues te la pones y pasas el rato. Pero tampoco merece la pena perder el culete por verla. Créanme, han hecho muchas más iguales.

CINE ACTUAL: "VICKY CRISTINA BARCELONA"

TÍTULO: VICKY CRISTINA BARCELONA DIRECTOR: WOODY ALLEN REPARTO: JAVIER BARDEM, SCARLETT JOHANSSON, PENÉLOPE CRUZ, REBECA HALL, PATRICIA CLARCKSON. AÑO: 2008 DURACIÓN: 96 min. GÉNERO: COMEDIA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Tratar de hacer una referencia breve a la carrera de Woody Allen como director / guionista, amén de actor, resulta casi imposible. Su filmografía abarca desde la comedia más hilarante ("Toma el dinero y corre - Take the money and run,1969") hasta el drama más profundo ("Interiores - Interiors, 1978"), pasando por pseudo-musicales ("Todos dicen I Love You - Everyone says I Love You, 1996"), dramas con toques policiales (El sueño de Casandra - Cassandra's dream, 2007", "Delitos y faltas - Crimes and misdemeanors, 1989") o, incusive, falsos documentales casi imposibles de clasificar ("Zelig - Zelig, 1983").

La película que hoy nos ocupa no tiene por qué enmarcarse en ninguno de los grupos mencionados. Si bien se trata de una comedia romática, no es menos cierto que también tiene cabida el drama de pareja constante en casi toda la filmografía de Allen (las constantes discusiones entre los personajes encarnados por Bardem, Cruz y Johansson), las situaciones de confusiones grotescas (muy divertida la secuencia de la cena en que Bardem roza involuntariamente la pierna de Rebeca Hall), y la completa integración del paisaje en la historia que está contando, Barcelona en este caso.

Sin embargo, tras ver "Vicky Cristina Barcelona", uno se queda con la sensación de que ninguno de los responsables del largometraje se lo ha tomado verdaderamente en serio (ni los actores sus respectivos personajes, ni el director su función como tal) y que, al fin y al cabo, todo se trata de una mera excusa para haber pasado unos días de asueto en la ciudad condal.

Sin embargo, parece que Allen sea consciente de ello. De ahí que adorne el conjunto con secuencias que no aportan nada a la historia, pero que hacen las delicias de la platea (el triángulo sexual en el que participan los tres personajes principales), o que se empeñe unba y otra vez en mostrar su admiración por las posibilidades que le ofrece el escenario que ha seleccionado para su trigésima película como realizador (esas panorámicas desde el Parque Güell).

Lástima que, con todo ello, "Vicky Cristina Barcelona" no sea más que un fil menor en la filmografía de Woody Allen, que se deja ver con simpatía y nada más, pero que no alcanza la solidez de otras propuestas del director neoyorquino, como sucede con "Delitos y faltas", "Match point - Match point, 2005", o "Manhattan - Manhattan, 1979".

• MR. HYDE DICE:

¡Menuda patata de película! Y eso que iba con ganas de verla, que hasta pagué por verla en versión original, para que no me sonaran raras las voces dobladas de Javeri Bardem y Penélope Cruz.

El argumento es una chorrada como un pino, Woody Allen repite una vez más el mismo rollo de siempre sobre la infidelidad, los artistas y demás. ¡Vamos, como si aquí te encontraras una exposición de fotografía o cuadros con artista bohemio incluido en cada esquina!

Y luego está el tema de los premios. Que le hayan dado el Oscar a Penélope Cruz por un papel que podría haber interpretado su prima la del pueblo de la misma forma sin que se hubiera notado... pues en fin, que más vale caer en gracia que ser gracioso. Ni siquiera merece la pena el tomateo que se meten a tres bandas Bardem, Pé y Scarlett (que podrá estar como un queisot la buena señora, pero aquí aparece y desaparece sin que al público le importe un pimiento).

En fin, que si la ponen por la tele y no tienes nada mejor que hacer, pues te ayuda a pasar el rato. Pero, desde luego, no merece la pena pagar por verla. Al no ser que seas incondicional del Sr. Allen, como le sucede a cierta amiga mía.