NOVEDADES VIDEOCLUB: "THE FIGHTER"

TÍTULO: THE FIGHTER

DIRECTOR: DAVID O. RUSSELL

REPARTO: MARK WAHLBERG, CHRISTIAN BALE, AMY ADAMS, MELISSA LEO

DURACIÓN: 110 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

No sé si la intención de los responsables de "The fighter" era hacer una película sobre el drama que supone para un pobre (en casi todos los sentidos del término) boxeador abrirse camino en el mundo de la competición deportiva, alejándose de los tópicos que ya se han visto hasta la saciedad en, por ejemplo, otros largometrajes como "Ali - Ali, 2001", "Cinderella man - Cinderella man, 2005" o, evidentemente, la serie "Rocky, 1976-1979-1982-1985-1990-2006". En cualquier caso, de ser así, lo han conseguido. Ahora bien, esto no quiere decir que necesariamente sea para mejor.

La película dirigida por David O. Russell (quien ya antes había colaborado con Mark Wahlberg en la más interesante "Tres reyes - Three kings, 1999") casi parece huír deliberadamente los tópicos de las cintas mencionadas para centrarse casi en exclusiva en los obstáculos que el púgil
Micky Ward (Wahlberg) que le supone tener una madre controladora, histérica y barriobajera (excelente Melissa Leo), y un hermano drogadicto (no menos extraordinario Bale) quien, antaño, estuvo a punto de proclamarse campeón mundial de los pesos medios. Para ello, además de su fuerza de voluntad, cuenta con la ayuda de su novia (Adams), una improvisada camarera de bar.

Como apuntaba antes, Russell dedica casi la totalidad del largometraje a plasmar la vida real, dicen, del suplicio de dicho boxeador por conseguir alcanzar el sueño de ganar un título mundial. Para ello, a pesar de contar un montaje que ayuda a la progresión dramática del film, y de unas actuaciones de los actores secundarios más que correctas, cae en la trampa de querer aparentar lo que, en realidad no es. Las escenas de pelea (a penas tres secuencias en todo el largometraje) están filmadas casi con desgana, y la constante insistencia en mostrar la decadencia de la familia del protagonista (su madre ha estado casada tres veces y tiene un total de nueve hijos, casi tanto o igual de chusmas que ella), acaban por resultar algo cansinas.

A pesar de los pesares, la película se deja ver porque no aburre pero, por desgracia, acaba dejando con la impresión de que podría haber dado mucho más de sí de lo que se acaba viendo finalmente en pantalla.

• MR. HYDE DICE:

Pues a mí, qué puedo decir: que ni fu ni fa, más bien fu. Wahlberg, para demostrar que está hace de boxeador puteado, se pasea por la peli con la misma expresividad que un ladrillo. Las secuencias en las que aparece su madre (que es la mitad de la película), por muy bien interpretadas que estén, acaban poniendo nervioso al más templado - de hecho, dan ganas de coger por banda a la buena señora, y decirle de todo menos bonito -, y los combates tienen tanta emoción como un telediario.

Está claro que no todas las pelis sobre boxeadores tienen que ser tipo "Rocky". Pero es que hay que saber qué tipo de teclas estamos tocando. Y es que, donde aquellas otras jugaban con la emoción de ver cómo, tras una serie de desgracias, el personaje principal se deja la piel en el último combate (gane o pierda), en este caso se pasan por el forro esa emoción. ¿Y qué consiguen? Pues que uno se sienta poco menos que timado.

Por suerte, anima la función ver cómo Christian Bale, entre batman y batman, demuestra que no hay nadie como él a la hora de transformarse física y mentalmente en tipos de lo más variopinto. Y si no me creen, echen un vistazo a "El maquinista - The machinist, 2004", "American psycho - American psycho, 1999" o "El agente secreto - The secret agent, 1996".

Pero, eso sí, que una película como ésta haya estado nominada el año pasado a 7 Oscar, incluyendo mejor película y director, a costa de dejar fuera a maravillas como "Origen - Inception, 2010", es de juzgado de guardia. En fin, que puesto a elegir algo de entre la oferta habitual del videoclub, seguro que hay propuestas mucho más interesantes. Dicho queda.

CINE ACTUAL: "UP"

TÍTULO: UP

DIRECTOR: PETE DOCTER

REPARTO: DIBUJOS ANIMADOS

DURACIÓN: 96 min.

AÑO: 2009

GÉNERO: AVENTURAS

• EL DR. JECKYLL DICE:

Una de las muchas ventajas con las que cuentan todas las producciones de Pixar para la gran pantalla es que están dirigidas al público infantil, a la vez que son capaces de agradar también a los espectadores más adultos. Por ello, resulta curioso que, en "Up", suceda más bien al contrario. Su público objetivo sigue siendo el infantil pero, en este caso, da la sensación de que la película está más orientada a un público con más edad, a la par que logra encandilar a los críos más jóvenes.

¿Y cuál es el resultado que se obtiene de tal cambio? Una obra maestra indiscutible del cine de animación. Se ha dicho hasta la saciedad esto mismo de cada una de las propuestas de Pixar que llegan a las carteleras todos los años (cortometrajes previos incluidos). Pero si, en honor a la verdad y al buen cine, hubiera que escoger uno de los largometrajes que han presentado hasta ahora, "Up" debería ser el número uno de forma indiscutible, y por muy alargada que puedan ser las aventuras de los juguetes que cobran vida.

"Up" es un ejemplo a seguir no sólo de defensa de los valores familiares (como toda producción Disney que se precie), o de guión inteligente (incomprensible que no consiguiera el Oscar en su categoría hace un par de años; no, si cuando Hyde despotrica de estos premios, algo de razón no le falta). Además de todas las virtudes que se le quieran añadir, hay algo que no admite discusión: es una virguería de ritmo. Si la mitad de las películas de acción y aventuras que se estrenan (y, ahora, me refiero a las de actores de carne y hueso) tuviera el ritmo non stop del que hace gala "Up" durante sus veinte minutos finales, sería un placer pagar por ver hasta las películas más cutres.

Que la historia de un anciano infeliz y amargado por la falta de sueños que cumplir en su vida y que, gracias a un pobre muchacho, se ve inmerso en una serie de aventuras sin igual en su casa voladora, acabe interesando por igual a todas las audiencias, es suficiente para levantarse y ovacionar a la cinta. Pero que, asimismo, sea capaz de hacerlo con ternura, buenas intenciones, personajes a cuál más entrañable (hasta los malvados tienen su punto, como ese doberman con voz de pitufo), y una gracia única, ya es como para quitarse el sombrero y descubrirse ante una de las películas que deben ser consideradas obras maestras del cine, animado y sin animar.

• MR HYDE DICE:

Me hace gracia pensar en cómo tuvo que ser la reunión en la que los creadores de "Up" propusieron el proyecto a los productores de Disney. Tuvo que ser algo del tipo mira, colega, éste es el argumento de la nueva peli que se nos ha ocurrido: durante los primeros tres minutos contamos la vida de un chaval que conoce a una niña de la que se enamora, crecen, se casan, no tienen hijos porque ella aborta, envejecen juntos, ella muere y el viejo se convierte en un plasta cascarrabias al que quieren desahuciar. En esto, aparece un nene gordo del que su padre pasa olímpicamente, y que quiere ser explorador. Y el chaparro queda atrapado en la casa del viejo cuando éste, decide pirarse del lugar inflando un huevazo de globos y salir volando por los aires, casa incluida, para vivir su última aventura.

Y el ejecutivo de turno, en lugar de preguntarle qué clase de hierba se había fumado, va y le dan luz verde. Así, con dos cojones. Pero, ¿sabéis qué es lo mejor del asunto? Que es la decisión más arriesgada y sabia que han tomado en Jolibú en muchos años. Porque "Up" es una gozada total.

Sé que es fácil que la gente suela sentirse conmovidos por las pelis de Disney. Al fin y al cabo, llevan siendo obras maestras una detrás de otra (hay excepciones, raras, pero las hay). Pero es que ésta es una de las películas más bonitas que he visto en mucho tiempo, aún a riesgo de que no sea muy normal que yo diga estas cursiladas, pero es que es la pura verdad.

"Up" no sólo es ingeniosa y muy divertida, sino que además, ha tenido la fortuna de presentar a uno de los bichos animados más cojonudos que he visto en mucho tiempo: el perro Doug. El chucho de marras es para llevárselo a casa. De hecho, si pudiera, lo metía en el mismo saco que a Stitch, y me quedaba para mí solito al perro y al otro bicho marciano.

En serio, si aún no la habéis visto, ya tardáis. Es imprescindible. Una pasada. Preciosa de arriba a abajo. Ahora lo que hace falta es ver cuánto tiempo más pasa hasta que otro cráneo privilegiado vuelve a tener una idea así de descabellada y demuestra tener el talento necesario para convertirlo en otra peli imprescindible como ésta. De 10, sin más.

CINE DE LOS 90: "LA VIDA ES BELLA"

TÍTULO: LA VIDA ES BELLA

DIRECTOR: ROBERTO BENIGNI

REPARTO: ROBERTO BENIGNI, NICOLETTA BRASCHI, MARISA PAREDES, GIORGIO CANTARINI

DURACIÓN: 120 min.

AÑO: 1998

GÉNERO: DRAMA

EL DR. JECKYLL DICE:

No tengo del todo claro que sea acertado calificar de "drama" a una película como ésta. Más bien sería acertado afirmar que la obra maestra de Roberto Benigni está formada por dos partes, más diferentes entre sí imposible. Pero comencemos por la historia.

Primera parte: Guido (Benigni) es un soñador que se muda a una pequeña región de la toscana, en los años previos al comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Nada más llegar, tropieza por accidente con Dora (Braschi), una acaudalada mujer del pueblo de la que se enamora perdidamente. Gracias a su ingenio ilimitado, Guido hará lo imposible por convencer a la mujer a la que ama de que lo escoja a él, renunciando así a las insistentes proposiciones que le hace el cacique del pueblo.

Segunda parte: Transcurridos unos años, y ya en plena ebullición del fascismo en Italia, Guido, casado con Dora, se ve obligado a separarse de su mujer junto al hijo de ambos, un niño llamado Guiosue, siendo los dos trasladados a un campo de concentración. Allí, Guido hará lo imposible por ocultarle la realidad de la guerra a su hijo, fingiendo que todo se trata de un juego, cuyo premio final es un tanque.

En su sexta película como realizador, Benigni fue capaz de plasmar en la gran pantalla una historia hermosísima, como pocas veces se han visto. No sólo posee una habilidad indiscutible para retratar los horrores del holocausto nazi sino que, a la vez, presenta una historia amable a rabiar, tremendamente divertida cuando quiere, y estremecedora en todo lo que concierne al sin sentido de la guerra.

La película está llena de secuencias maravillosas: desde los incansables intentos de Guido en la primera mitad del metraje por conquistar a Dora (esa imagen del enamorado desenrollando una larguísima alfombra roja escaleras a bajo, bajo una incesante lluvia), hasta momentos tiernos a más no poder (el plano de Dora escuchando a través de la megafonía del campo de concentración la voz de su hijo y marido).

Pero, si hay que destacar un nombre por encima de todo el conjunto, sin duda alguna, ése es el de su máximo responsable: Roberto Benigni. Ganador merecidísimo del Oscar al mejor actor principal, hace que sea imposible imaginarse a un actor diferente interpretando el papel del dicharachero Guido, y borda cada secuencia en la que aparece con una entereza asombrosa (ver la secuencia en la que se inventa por completo la traducción de las órdenes que les da un oficial nazi a su llegada al campo de concentración, para que si hijo se crea la ilusión que le quiere hacer creer).

Por lo que respecta al resto del conjunto, resulta también impecable. La decoración asombra por el realismo con el que está presentada, la escenografía es magnífica (Benigni bailando bajo la lluvia recuerda a la mítica escena en que Gene Kelly chapoteaba en aquella famosa película - hasta el traje que lleva es parecido -), y la música de Nicola Piovani adorna el conjunto del film acaramelando las escenas más románticas y reforzando con garra las partes más duras y dramáticas del largometraje. En fin, magnífica por donde se mire, "La vida es bella" hace que, en honor al título, uno salga del cine con el corazón un tanto encogido, pero con la sensación de haber disfrutado de una fábula bonita como hacía mucho tiempo que nadie se atrevía (o sabía) hacer.

• MR HYDE DICE:

Vaya por delante que a mí me fastidiaron el final de la película antes de verla. Pero ello no fue impedimento para que, como dice Jeckyll, me lo pasara pipa con la primera parte de la película (el descojone durante los primeros 60 minutos está asegurado), y se me frunciera lo suyo el ojo ciego durante la segunda hora.

Ahora, es cierto que la cosa desconcierta. Tanto oír a la gente decir que si es un drama, que si los campos de concentración... y cuando la peli empieza y te pasas el rato despelotándote con las chorradas que se le ocurren a Benigni, casi crees que quienes te la han recomendado se metieron a ver otra diferente. Pero no, el drama llega casi como un relámpago, y resulta amable (cuidadín con lo que estoy diciendo) y hasta con cierta gracia la forma que tiene Benigni de contarlo.

Lo mejor del asunto - cuento esto como anécdota -, es que el padre de Roberto Benigni, cuando vio la película, le dijo a su cachorro algo así como: "menos mal hijo, que por fin has hecho una película que merece la pena ver". Olé el viejo, con un par.

En los tráiler de presentación de la peli dicen que es una "fábula de Roberto Benigni", y no les falta nada de razón. El tío da una lección tremenda de lo que el ingenio es capaz de parir, y de cómo se pueden tratar temas muy espinosos con un punto de vista amable, a la vez que resalten valores como la tolerancia, el altruismo y el amor incondicional a la familia.

Lástima que las películas que ha hecho Benigni después son una panderada de las buenas porque, al menos el menda, se muere por volver a ver algo como "La vida es bella". Pero bueno, por lo que a ésta respecta, no cabe ponerle ninguna pega. Tan sólo disfrutarla, reír con las partes divertidas, y reflexionar con las más crudas.

CINE DE LOS 80: "FUEGO EN EL CUERPO"

TÍTULO: FUEGO EN EL CUERPO

DIRECTOR: LAWRENCE KASDAN

REPARTO: WILLIAM HURT, KATHLEEN TURNER, RICHARD CRENNA, TED DANSON, MICKEY ROURKE

DURACIÓN: 111 min.

AÑO: 1981

• EL DR. JECKYLL DICE:

A principio de los 80, un guionista que había ido ganando prestigio al escribir los diálogos de películas como "El imperio contraataca - The empire strikes back, 1980" o "En busca del arca perdida - Riders of the lost ark, 1981", debutó en la dirección con un estremecedor largometraje de suspense llamado "Fuego en el cuerpo".

Lo que hace que la película lograra la ovación del público a la vez que cosechó un número considerable de buenas críticas fue la acertadísima combinación de thriller erótico y cine policíaco, sentando las bases de lo que, una década más tarde, encumbraría la carrera del cineasta holandés Paul Verhoeven con su no menos fantástica "Instinto básico - Basci instinct, 1992".

Y es que la comparación entre estas dos películas no es casual. Pero, dejando de lado por el momento el acertado film de Verhoeven, si algo cabe destacar de "Fuego en el cuerpo" es la enorme química que forma la pareja Hurt-Turner, y lo acertadamente diseminadas que están las gotas de intriga a lo largo de todo el largometraje.

La historia del mismo comienza cuando un abogado de poca monta de Florida (Hurt) entabla una relación sentimental con una mujer casada (Turner), tremendamente sexy, quien no demuestra su rechazo a este repentino romance. Casada con un hombre de negocios algo turbulento (Crenna), acaba convenciendo a su amante para planificar el asesinato perfecto y, así, poder heredar la fortuna del marido, con la promesa de disfrutarla luego los dos.

"Fuego en el cuerpo" contiene los mejores elementos del cine de género policíaco, no sólo a nivel de interpretaciones (antológico el papelón de Kathleen Turner como femme fatale) sino, muy especialmente, a nivel de dirección y guión. En esta ocasión, Kasdan dio en el clavo con una historia de traiciones y crímenes muy bien dirigida, que atrapa al espectador desde su comienzo, guiándolo por el entramado de sospechas y momentos de incertidumbre que plasma con una gracia sorprendente para tratarse en un debut como director.

Sin duda, una de las mejores cintas policíacas y de suspense de las últimas décadas. Y, por cierto, tremenda la banda sonora que el recientemente fallecido John Barry compuso para la ocasión. Si quieren un consejo, disfruten de esta magnífica película.

• MR HYDE DICE:

Es una lástima que un director / guionista que empezara tan bien dirigiendo películas, haya acabado haciendo truños como puños (¡toma ya, hasta me ha salido con rima!). Sin ser ninguna obra maestra, siempre he mostrado mi predilección por "Silverado - Silverado, 1985" (uno de los westerns más entretenidos y divertidos de los últimos tiempos), y hasta una simple comedia como "French kiss - French kiss, 1995" acababa siendo una experiencia simpática - y eso a pesar de contar con la presencia de la insoportable Meg Ryan -.

Sin embargo, mira tú por dónde, el talento que el pollo había demostrado tener con estas primeras pelis, va y desaparece casi de golpe cuando empieza a empalmar cagada tras cagada: "Te amaré hasta que te mate - I love you to death, 1990", "Wyatt Earp - Wyatt Earp, 1994", o "El cazador de sueños - Dreamcatcher, 2003".

Y casi lo mismo les ha pasado a los protagonistas: en los años venideros William Hurt acabó bebiéndose hasta el agua de los floreros, y Kathleen Tuner, después de unas cuantas pelis que no estaban mal le dio también a la botella, acabando convertida en una auténtica focamonje. Lo dicho, una lástima. Menos mal que, parece, Hurt se ha ido recuperando a lo largo de los últimos años, volviendo a brindar actuaciones como Dios manda aunque, por desgracia, lejos de la inspiración que tuvo el colega cuando rodó esta cojonuda "Fuego en el cuerpo".

En fin, al menos podemos disfrutar de la primera peli que dirigió, donde logró hacer que buena parte de la población masculina flipara en colores con la aparición de una novata Kathleen Turner. La Turner le saca todo el jugo a su papel de "mujer fatal" que se camela al pobre Hurt como le da la gana y, además, logrando que el interés por la historia no se fuera sólo a los revolcones que los dos se pegan en la película. Esto, sin duda, es de mucho agradecer, ya que aparte de las escenas subidas de tono, la intriga del resto de la peli es constante, hasta prácticamente el último plano. Recomendable, muy recomendable.

Ah, y un apunte final: si alguien no reconoce al actor que hace de marido de Kathleen Turner en la peli, que se imagine a este actor escuchando a Rambo decirle que no se siente las piernas... ¡En efecto, es el Coronel Truman!

CINE CLÁSICO: "PSICOSIS"

TÍTULO: PSICOSIS

DIRECTOR: ALFRED HITCHCOCK

REPARTO: ANTHONY PERKINS, JANET LEIGH, VERA MILES, JOHN GAVIN, MARTIN BALSAM

DURACIÓN: 101 min.

AÑO: 1960

GÉNERO: SUSPENSE

• EL DR. JECKYLL DICE:

Apuesto a que muchos de ustedes no sabían que Hitchcock se planteó la realización de "Psicosis" como un mero pasatiempo. Según parece, tras la realización de su anterior film "Con la muerte en los talones - North by northwest, 1959", y antes de embarcarse en su siguiente gran proyecto, "Los pájaros - The birds, 1963", quiso darse un respiro, y concentrarse en la realización de un par de largometrajes realizados para la televisión. Así pues, utilizando equipos de realización propios de este medio y con una planificación ajustada a los requisitos del pequeño formato, el genio británico dirigió dos películas con la intención de estrenarlas el mismo año.

La primera de ellas, "Incidente en la esquina - Incident at the corner, 1960", cumplió con las expectativas creadas, contando con producción de la NBC y siendo emitida en aquel año. Sin embargo, cuando Hitchcock proyectó su segunda película a los productores, dirigentes del estudio y demás distribuidores, éstos quedaron tan asombrados con el resultado que se negaron a limitar su distribución a la pequeña pantalla. El resto de lo que sucedió con "Psicosis" ya es historia.

La novela de Robert Bloch que dio pie a la película, en la que se relata la huida de Marion Crane (Leigh) tras robar una importante suma de dinero del despacho en el que trabaja, y cómo acude a refugiarse a un motel de carretera, el Bates Motel. Allí, el dueño, Normal Bates (Perkins), un joven perturbado e influenciado en gran medida por su anciana madre, la atiende con cortesía. Sin embargo, unas horas más tarde, Mario es brutalmente acuchillada en la ducha. A partir de su desaparición, la hermana de Marion, ayudada por el novio de ésta y por un detective privado, inicia su búsqueda. Todas las pistas parecen acabar dirigiéndoles al Motel Bates.

Lo curioso del asunto es que, la adaptación que filmó Hichcock de la novela de Robert Bloch, desde un punto de vista técnico, es una de sus obras más sencillas y, curiosamente, de las más efectivas. Visualizada casi como una obra de teatro (Hitchcock ya se había servido de este tipo de planificación en anteriores películas como "La soga - The rope, 1948", "La ventana indiscreta - Rear window, 1954" o "Crimen perfecto - Dial M for murder, 1954"), la sencillez de esta obra maestra se aplica a casi todos los niveles: el decorado principal es único (el Motel Bates), la banda sonora del incomparable Bernard Herrmann está compuesta e interpretada tan sólo con instrumentos de cuerda (y no hace falta decir que es una de las músicas de película que han pasado a la historia del cine), y los personajes no exceden de 5 ó 6.

Magnífica por donde se mire, "Psicosis", a pesar de querer ser realizada como una película más de suspense, fue capaz de aterrorizar a medio mundo, y lograr ser, hasta hoy, uno de los referentes indiscutibles del buen cine de intriga. Casi, hasta podría decirse que fue el precursor del moderno argumento del serial killer. Además, por suerte, si bien la película ya tiene más de 50 años, da gusto revisionarla y comprobar cómo no ha envejecido tanto como cabría esperar de otras propuestas similares de la época.

• MR HYDE DICE:

¡Olé los cataplines del colega Hitchcock! Eso es demostrar su talento y lo demás tonterías. ¿Que quieres que te haga una peli con dos duros? Pues ahí va. ¿Que quieres que la haga de forma rápida y barata? Pues la ruedo con un equipo de televisión. ¿Resultado? Que Hitchcock acabó nadando en piscinas de billetes, así de sencillo.

Sobre esta obra maestra, no tengo mucho que añadir que no haya dicho ya el pedantillo de arriba. Sólo que la peli es bestial por donde se mire. Sí que fue lástima que el pobre Perkins acabara repitiendo en tres secuelas más su personaje de Norman Bates, más que nada porque resulta patético querer replicar la maestría de la primera peli. Además, también da pena ver el descaro con el que, para que la gente joven se interesara más por el tema, Gus Van Sant le echó un par de cataplines y calcó plano a plano el original de "Psicosis" (versión de 1998), pero el color. Como si la gente joven fuéramos gilipollas (tengo 30 años, así que permítanme seguir considerándome joven), y no supiéramos apreciar una película bien hecha.

Y de detalles como la música o la secuencia de la ducha, mejor no hablar. O, incluso, del plano final con el que cierra la película ("...que digan, no fue capaz de matar ni a una mosca..."). Magnífica, sí señor. Una auténtica gozada.

CINE EN CARTEL: "FAST & FURIOUS 5"

TÍTULO: FAST & FURIOUS 5

DIRECTOR: JUSTIN LIN

REPARTO: VIN DIESEL, PAUL WALKER, DWAYNE JOHNSON, TYRESE GIBSON, JORDANA BREWSTER, ELSA PATAKY, JOAQUIM DE ALMEIDA

DURACIÓN: 125 min.

AÑO: 2011

GÉNERO: ACCIÓN

• EL DR. JECKYLL DICE:

Los norteamericanos utilizan de vez en cuando un término llamado "popcorn movie"que, traducido al español, vendría a ser algo así como "película de palomitas". Esta denominación es la que se le suele dar a aquellas películas cuyo propósito fundamental (aparte amasar cuanto más dinero mejor) es divertir al público, y hacer que se pase la duración de la película de la forma más entretenida posible. La película que aquí nos ocupa entra de lleno en este grupo de largometrajes.

Para quienes hayan estado más o menos al corriente de lo que sucede en las cuatro entregas anteriores (casi da vértigo pensarlo: antes hay 4 entregas más...), no se esconde nada nuevo bajo el sol. "Fast & furious 5" cumple con la tónica de ofrecer más de lo mismo, sólo que más espectacular, más ruidoso y, por qué no admitirlo, más emocionante.

El film comienza exactamente donde acababa la cuarta parte: el ex-agente del FBI Brian O'Connor (Paul Walker) y su novia (Jordana Brewster) planifican y ejecutan la fuga de Dominic Toretto (Vin Diesel) - colega del primero y hermano de la segunda - de un autobús que lo traslada junto con otros reos a una cárcel de máxima seguridad. En a penas tres minutos, la fuga se ha completado, y los personajes se refugian en Río de Janeiro donde, tras dar otro espectacular golpe, se ven obligados a enfrentarse con el capo local (Joaquim de Almeida), planificando un espectacular robo.

Como ven, poca novedad hay en el argumento. Si hablamos de las actuaciones, pues mejor no comentar mucho porque, a excepción de Almeida que se lo pasa pipa bordando el papel de gángster brasileño, el resto de los "actores" se limitan a pasearse por la escena con menos expresividad que una piedra, y ejecutando persecuciones automovilísticas tan impresionantes como imposibles (lo que no es impedimento para que el público masculino se alegre la vista con la aparición de la guapísima Elsa Pataky). Ahora bien, si ya pasamos a hablar del aspecto visual y técnico de la película, las cosas, por suerte, ya cambian.

Y es que "Fast & furious 5" es eso: pura adrenalina concentrada en tremendas persecuciones en coche, peleas, y tiroteos constantes. Lo que no debe ser impedimento para que el público tenga ocasión de divertirse viéndolo. Al fin y al cabo, no todo en este mundo tienen que ser películas de Goddard, Minelli o Wilder.

• MR HYDE DICE:

Quisiera dar un consejo a quienes tengan intención de ver "Fast & furious 5": no cuestionéis nada de lo que aparece. Es decir, si os dicen que con que un gángster ponga la mano en la parte inferior del bikini de la tía buena de turno se pueden extraer sus huellas dactilares, vosotros decís que sí; si cayendo al vacío por un precipicio de unos 150 metros en un coche que va a 200km/h los personajes ni se despeinan, vosotros asentís como buenos chicos; y si salen dos coches arrastrando a toda paleta una caja fuerte que tiene que pesar un huevo y parte del otro por toda la ciudad como si llevaran una caravana de las cutres, vosotros lo dais por hecho como si fuera lo más normal del mundo. Y - lo mejor de todo - si Vin Diesel es capaz de seducir a la policía brasileña a la que interpreta la Pataky, yo que vosotros, solteros y solteras del mundo, me piraba a Río de Janeiro pero ya mismo.

Ya os digo que dejarse llevar por el camino que han trazado los colegas que han hecho la peli, es la única forma de pasárselo pipa las dos horas y poco que dura. Al menos, se agradece que no repitan el mismo cliché que en las ocasiones anteriores, donde las carreras ilegales de coches trucados eran el eje fundamental. Aquí, el resultado es más la planificación de un robo (como en el 90% de las películas de ladrones y policías) y de cómo conseguir sortear los diferentes impedimentos para ejecutarlo, que la acción en sí (que la tiene a cascoporro).

Eso sí, si algo merece la pena destacarse en la película, es la persecución final. Son casi 15 minutos de testosterona pura, y espectacularidad supina (para los de la E.S.O.: supina = a saco paco). No le llega a la altura de las que suele orquestar Michael Bay, pero poco le falta. El público se queda clavado en la butaca con las virguerías que son capaces de hacer la banda de chorizos con un cochazo.

En fin, pues eso, que si queréis pasar entretenidos un buen rato sin pensar demasiado, de lo que hay ahora mismo en cartelera, esta puede ser una de las mejores opciones. Y si sois más exigentes, pues nada, seguro que alguna otra sala están pasando alguna peli tunecina, turca o de marginación social, que de todo tiene que haber.

CINE A DESCUBRIR: "NÁUFRAGO"

TÍTULO: NÁUFRAGO

DIRECTOR: ROBERT ZEMECKIS

REPARTO: TOM HANKS, HELEN HUNT

DURACIÓN: 140 min.

AÑO: 2000

GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Hay películas que, para su realización, exigen desde el comienzo unas condiciones de preparación nada sencillas. En ocasiones es el equipo técnico quien carga sobre sus hombros con la presión para que todo salga como corresponde ("Abyss - The abyss, 1989", "Transformers - Transformers, 2007") y, en otras, los miembros del reparto quienes acaban siendo los responsables de llevar a buen puerto la película a través de la transformación física en sus actuaciones (Robert de Niro en "Toro salvaje - Raging bull, 1980", Charlize Theron en "Monster - Monster, 2003", o Javier Bardem en "Biutiful - Biutiful, 2010"). En el caso de "Náufrago - Cast away, 2000", se da una combinación de ambos factores, y el resultado es ciertamente satisfactorio gracias, sobretodo, a dos personas: Robert Zemeckis (director) y Tom Hanks (actor protagonista).

Robert Zemeckis demuestra su enrome talento siendo capaz hacer que un largometraje en que su personaje principal se pasa dos horas solo y casi sin hablar resulte entretenido e interesante. Si algo hay que reconocerle a este cineasta de Chicago es que siempre se las ha ingeniado para demostrar que la utilización de magníficos efectos especiales se puede poner al servicio de la historia, y no al contrario. Y así queda patente en estupendos largometrajes como la trilogía de "Regreso al futuro - Back to the future, 1985/1989/1990", "¿Quién engañó a Roger Rabbit? - Who framed Roger Rabbit, 1988"o "Contact - Contact, 1997" (no meto en el grupo a "Forrest Gump - Forrest Gump, 1994" porque, aunque se trate de un film correcto, siempre me ha parecido bastante sobrevalorado).

En lo que concierne a "Náufrago", Zemeckis logra enganchar al espectador desde el comienzo de la cinta, con la historia de un jefe de una empresa de mensajería que, en el transcurso de un vuelo, sufre un accidente de avión que lo deja aislado en una isla desierta durante más de cuatro años. Tras una introducción de, aproximadamente, quince minutos, Zemeckis no pierde el tiempo y traslada al personaje principal a una isla desierta donde el espectador se acaba identificando con el personaje del náufrago hasta el punto que se acaba alegrando cuando éste consigue hacer fuego por primera vez, sufre cuando trata de arrancarse una muela infectada, y lo anima cuando decide abandonar definitivamente la isla a bordo de una enclenque balsa. Y todo ello, gracias a una ejemplar utilización del sonido y del montaje (éste a cargo de su colaborador habitual, Arthur Schmidt), y de la creación de imágenes preciosistas como la del náufrago por primera vez en el agua ante los restos incendiados del avión, o en la balsa contemplando a un grupo de ballenas.

Por su parte, Tom Hanks no se queda atrás ni mucho menos. Pocos actores norteamericanos del panorama actual pueden transmitir las emociones con una única mirada como lo hace él, mostrando así desesperación, entusiasmo, enfado o duda con una casi total ausencia de diálogo. No hace falta recordar sus actuaciones pasadas, ni los premios conseguidos para estar seguros de que "Náufrago" no sería la película emocionante que es si él no estuviera al frente de la misma, de la cuál, sale perfectamente airoso no sólo ofreciendo un tour de force extraordinario, sino también colaborando a que el film resulte entretenido durante sus más de dos horas.

• MR HYDE DICE:

¡¡¡Wilsooooooooooooooonnnnnn!!! Je, je, je. Quién iba a decir que alguien podría acabar sufriendo por una mísera pelota de voleibol, medio desinflada y con cuatro hierbajos a modo de cabellera punky.

Pues sí, amigos, "Náufrago" consigue eso y más. Como, por ejemplo, que uno pueda estar mirando la pantalla casi dos horas y media sin aburrirse porque, os recuerdo, Tom Hanks se tira en la isla las tres cuartas partes de la peli absolutamente solo (bueno, le da palique a la pelota de marras, pero no creo que ésto cuente). O hasta que le resulte tierno que un pobre hombre acabe haciéndose amigo de una pelota y compartiendo con ella sus pensamientos para no volverse loco de remate.

De todas formas, sí que quiero puntualizar que "estar mirando la pantalla casi dos horas sin aburrirse" no quiere decir ésta sea una obra maestra. Está hecha de lujo, sí, y la actuación de Hanks (por quien interrumpieron la filmación de la película para que se quedara más chupado que un fideo y poder seguir grabando) da lecciones a la mita de la plantilla de Hollywood, vale, pero tampoco es para fliparse más.

"Náufrago" es de esas pelis que ves por primera vez y te gusta, y hasta puede que, cuando la comentas con amigos o la recuerdas, tengas unas palabras agradables para referirte a ella. Pero ya está, no la volverías a ver adrede. Como mucho, si un domingo por la tarde la pasan por la tele y no tienes nada mejor que hacer. Lo que no quita para que esté hecha de lujo y resulte agradable de ver.

NOVEDADES VIDEOCLUB: "THE TOURIST"

TÍTULO: THE TOURIST

DIRECTOR: FLORIAN HENCKEL - VON DONNERSMACK

REPARTO: JOHNNY DEPP, ANGELINA JOLIE, PAUL BETTANY, TIMOTHY DALTON, RUFUS SEWELL, STEVEN BERKOFF

DURACIÓN: 100 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: POLICIACO / INTRIGA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Desde luego, al cosa prometía: dos de los actores más taquilleros y punteros del panorama actual, actores secundarios a la altura de las circunstancias, un director europeo ganador de un Oscar por su maravillosa "La vida de los otros - Das Leben den Anderen, 2006", un reparto técnico de primera (el ganador del Oscar John Seale como director de fotografía, James Newton Howard como compositor...), y un guión firmado, entre otros, por Christopher McQuarrie (quien nos dejó estupefactos al escribir la impactante "Sospechosos habituales - The usual suspects, 1995".

Con todos estos ingredientes, y teniendo en cuenta que se trataba de un remake de la película francesa "El secreto de Anthony Zimmer - Anthony Zimmer, 2005" (seamos sinceros, los americanos, por norma general, suelen lograr versiones más acertadas que las originales que revisionan), era de esperar que el resultado fuera una película de suspense a la altura de las circunstancias. Pero, por desgracia, las cosas no han acabado siendo así.

Omitiendo el detalle del plantel de actores a los que se tentó en su momento con los papeles protagonistas, hay que admitir, en honor a la verdad, que "The tourist" es una tomadura de pelo de mucho cuidado. Argumentalmente, se trata de una visión casi calcada del original francés: el turista del título (Depp) es un hombre que viaja a Italia desde Francia para pasar unos días de asueto con el fin de olvidar ciertos asuntos personales; por casualidad, se topa en un tren con una misteriosa mujer (Jolie) que se muestra más que interesada en él, que le propone acompañarla durante su estancia en Venecia. Sin embargo, todo se complica cuando tanto los servicios internacionales de inteligencia como una banda de gansgters confunden a este turista con un buscado criminal a cuya cabeza todos han puesto precio.

No es que la película original fuera una obra maestra. De hecho, adolece de muchos de los lastres que arrastra el film americano. Pero éste último, en lugar de solventarlos y arreglar el conjunto de forma que quedara transformado en un producto la mar de entretenido, parece querer caer deliberadamente en ellos. Por su parte, tanto Depp como Jolie demuestran un desinterés por la interpretación de sus personajes muy poco común en ellos. Y, lo que da comienzo como una especie de juego de espías o de caza al ratón, no hace más que derivar en una serie de situaciones sin sentido, hasta llegar a un final ciertamente absurdo.

Como decía, una auténtica lástima que, una película que, si bien no prometía revelarse como una auténtica sensación dentro del cine del género, sí que podría haberse tomado las molestias de ser un producto, como poco, entretenido.

• MR HYDE DICE:

Así es la cosa: la peli empieza siendo interesante, para qué negarlo. Un comienzo ambiguo en el que Jolie (interpretando una vez más a la típica mujer fatal calientabraguetas), debe dar inicio a un juego de confusión, rollo espía internacional y toda la pesca, en el que aparece Johnny Depp como caído del cielo (y mira que debía haber gente en el dichoso tren). Ahora bien, a la media hora de sonrisa para aquí de Depp, y pestañeo de Jolie para allá, uno empieza a preguntarse qué coño les pasa a los dos, y por qué no se dejan de monsergas y empiezan a contarte algo interesante. Cuando ya llevas más de media película, rezas para que todo el tinglado de persecuciones y huidas merezca la pena o que, al menos, tenga todo sentido al final.

Ay amigo, pero es que cuando acaba la peli, uno se queda con cara de alelado, diciendo: "no es posible que me haya estado casi dos horas viendo esto (desembolso económico aparte), para que al final me vengan con semejante mierda". Pues sí, así es. Ese final que tanto esperas que acabe teniendo un mínimo de sentido no sólo es absurdo del todo, sino sales del cine (o del salón de tu casa) mentándole la madre al iluminado que ha cocinado este truño.

Lo mejor es que Angelina Jolie, en las entrevistas concedidas durante la promoción, afirma que hizo la peli por la posibilidad de pasar unas vacaciones en Francia e Italia. Nos ha jodido, eso estaba clarinete. Lo único que se le hubiera rogado es que hubiera disimulado un poco más las pocas ganas que tenía la pájara de interpretar ese papel. Quizás la peli seguiría siendo un cagarro pero, al menos, ella se habría salvado de la quema. Y, aunque no os lo podáis creer, la peli fue nominada a 3 globos de oro. Ahí, con un par.

En fin, al menos queda el consuelo de que hay pelis mucho peores porque, si no, sería para destrozarla con ganas. Si es que esto acaba siendo algún consuelo.

CINE ACTUAL: "TOY STORY 3"

TÍTULO: TOY STORY 3

DIRECTOR: LEE UNKRICH

REPARTO: DIBUJOS ANIMADOS

DURACIÓN: 100 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: ANIMACIÓN

• EL DR. JECKYLL DICE:

¿Era posible que Pixar, después de lo alto que se ha colocado el listón a lo largo de los últimos años con la práctica totalidad de sus producciones, fuera capaz de volver a dar en la diana con la tercera parte de una de las películas más famosas de la historia del cine de animación moderno? Pues sí, sin duda alguna. Para todos aquellos que disfrutamos con la primera aventura del sheriff Woody y Buzz Lightyear hace ya la friolera de 16 años, "Toy Story 3" supone una oportunidad excepcional para volver a dejarse llevar por las peripecias de este grupo de entrañables juguetes.

Desde el punto de vista argumental, la historia es fiel al gran intervalo de tiempo que ha transcurrido desde que la primera parte vio la luz. Así pues, Andy, el chavalín al que le regalaban este simpático grupo de juguetes, ahora ya es un adolescente a punto de irse a la universidad, lo que pone de relieve el paso de adolescente a semi-adulto y, en consecuencia, de replantearse la "utilidad" de los que habían sido sus fieles compañeros de juego hasta ese momento. A partir de aquí, una serie de confusiones hace que los juguetes, a excepción de Woody que sigue empeñado en que no es normal que su dueño se haya deshecho de ellos con tanta facilidad, acaben en una guardería más parecida a la casa de los horrores que a una simple ludoteca.

Evidentemente, una de las cosas que más llama la atención de una propuesta mítica como esta es la forma en que los responsables del largometraje saben emocionar al espectador de cualquier edad, apoyándose en un guión inteligente, divertido y lleno de situaciones emocionantes. Y si no me creen, basta contemplar secuencias formidables como el rescate de sus amigos que emprende Woody y que concluye en un quemadero de basuras (una secuencia que pone los pelos de punta y casi deja sin aliento al público), o el primer intento de evasión de los juguetes, digno de cualquier film moderno de espías.

En fin, que poco más se puede añadir sobre "Toy Story 3" que no se haya dicho ya, o que vaya a cambiar la opinión tanto de quienes la hayan visto como de quienes tienen la intención de hacerlo. Desde luego, se lo recomiendo encarecidamente. No lo lamentarán.

• MR. HYDE DICE:

A ver, "Toy Story 3" está bien, de eso no cabe duda. Es una buena película, hecha con muchísimo talento y que desprende imaginación por todos los lados. Y a día de hoy no es muy fácil hacer una peli que guste tanto a los adultos como a las manadas agobiantes de críos que inundan las salas de cine para verlas (no me malinterpreten, es evidente que se trata de una producción que tiene muy en cuenta los gustos de los más pequeños; pero a mí me pone a parir ir al cine y tener que estar soportando los berridos y correteos de los mocosos de turno, sólo porque sus papis tienen los cojones tan bien puestos que son incapaces de llamarles la atención cuando la cosa se desmadra). Y, desde luego, me quito el sombrero ante cualquier producción que, además de ser entretenida y esta bien hecha, logra tal propósito.

Pero qué quieren que les diga... la peli está bien, pero tampoco es para tanto. Tengamos en cuenta que estamos hablando de la quinta película más taquillera de la historia del cine a nivel mundial (sí, sí, han leído bien, la quinta), y eso ya me parece un pelín exagerado. Entre otras cosas porque no cuentan nada que no se haya dicho ya antes. Comprendo que, cuando salió la primera parte de "Toy Sroty", allá por 1995, que no se hubiera visto nada igual y que, convencidos por su novedad y gracia, que arrasara en la taquilla.

No obstante, eso no sucede con esta tercera parte. Estará hecha de coña, no lo niego, pero es más de lo mismo. Sucede algo parecido (aunque, por suerte, menos exagerado) que con la serie de "Shrek", que la primera es cojonuda de pe a pa, pero las otras como que ya han quemado todos los cartuchos de gracias, y repiten las fórmulas utilizadas antes.

De todas formas, vuelvo a insistir en que esto no es inconveniente en absoluto para que "Toy Story 3" sea estupenda de principio a fin. Que alguien derroche el suficiente talento para parir pelis como ésta, y lograr que le guste a todo quisque es algo que muchos otros envidiosos querrían poder conseguir también. Que se lo pregunten a los del ogro verde, que no hacen patatas más grandes porque no pueden.

CINE DE LOS 90: "L.A. CONFIDENTIAL"

TÍTULO: L.A. CONFIDENTIAL

DIRECTOR: CURTIS HANSON

REPARTO: RUSSEL CROWE, GUY PEARCE, KEVIN SPACEY, KIM BASINGER, JAMES CROMWELL, DANNY DeVITO, DAVID STRATHAIRN

DURACIÓN: 135 min.

AÑO: 1997

GÉNERO: POLICIACO

• EL DR. JECKYLL DICE:

"L.A. Confidential" es una película que entra dentro del selecto grupo de aquellos largometraje que, en primer lugar, encandilan a la crítica especializada de medio mundo y, en segundo lugar, acaba haciendo que el público se interese por ella y acabe dándoles la razón a dichos críticos. Y es que el film de Curtis Hanson es cine policiaco del bueno, retratado con un estilo más clásico en el que prima muchísimo el diálogo y la historia, no dejándoselo todo a las secuencias de acción que, por otra parte, son igualmente excelentes.

Fue el propio Hanson quien adaptó el guión de esta novela de James Ellroy, cumpliendo con la muy complicada tarea de desmenuzar el complejo laberinto de personajes, situaciones y relaciones entre todo ello para que, al final, el resultado sea simplemente magistral.

El inicio de la historia parece bastante simple: es la década de los 50 en Estados Unidos. Tras la presentación de los personajes principales (Hanson lo hace de forma que, a los pocos segundos, el espectador ya intuye el rol que desempeña cada uno), se produce un atraco a una cafetería en la que, junto a otros cadáveres, se encuentra el de un policía. Dos detectives encargados del caso empiezan a investigar el crimen pero, a cada paso que dan, comienzan a destapar diversos escándalos muy comprometedores para ciertas personalidades. A partir de este punto, a película le exige al espectador una atención especial, ya que el entramado se empieza a complicar.

Resulta curioso que haya sido precisamente un director como Curtis Hanson quien haya filmado con tanta sobriedad y tensión una película que, en las manos equivocadas, hubiera devenido un auténtico caos de referencias y secuencias sin sentido. Por suerte para el espectador, Hanson, arropado en una escenografía magnífica (a lo que contribuye muchísimo un montaje trepidante, la cuidada decoración, la fotografía de Dante Spinotti y la música del genial Jerry Goldsmith) y en un reparto ejemplar (están soberbios absolutamente todos) parece haber estudiado cada secuencia con lupa, y eso se nota cuando se contempla la película.

A pesar de lo farragoso que pueda parecer en primera instancia el argumento y el vaivén de personajes, "L.A. Confidential" es una obra maestra del cine hecho en la pasada década. Una película imprescindible que, al final, deja con la sensación de haber visto lo que siempre debería ser una película de qualité bien hecha, interesante y trepidante.

• MR HYDE DICE:

Muy muy muy muy buena. ¿Sabes esa sensación que uno tiene a veces cuando ve una peli y no sabe explicar muy bien por qué, pero le ha parecido una pasada? Pues este es uno de esos casos. La historia es un pelín complicada de seguir a ratos porque hay un huevo de personajes pululando por ahí, pero cuando ya le pillas el truco, acaba enganchando a saco.

De entre las escenas por las que merece la pena quitarse el sombrero, me quedaría con unas cuantas: aquella en que uno de los detectives (Pearce) lleva a cabo tres interrogatorios simultáneos a unos sospechosos que han sido detenidos, o aquella otra en que éste mismo detective se enfrenta a los mismos detenidos en su casa una vez que han sido puestos en libertad, o la del final de la película, con el tiroteo en la casa abandonada.

Del reparto, mola ver a Russell Crowe cuando todavía era un medio desconocido en Holywood (parece que ésta es la peli que le abrió la puerta de lo que luego ha sido el resto de su carrera) y, muy especialmente, a Kim Basinger, interpretando el papel del mujer fatal como hacía mucho que no se veía (de los casos más recientes, me atrevería a ponerla en el mismo saco que la Kathleen Turner de "Fuego en el cuerpo - Body heat, 1980", o la Sharon Stone de "Instinto básico - Basin Instinct, 1992"), y dejando claro que pasados los 50 se puede estar como un queso.

Lo que no acabo de comprender muy bien es cómo, un director como Curtis Hanson, que anteriormente había rodado películas más que correctas ("La mano que mece la cuna - The hand that rocks the craddle, 1992", "Río salvaje - The river wild, 1994"), después de ésta, no ha hecho más que empalmar mierda tras mierda. Y si no me creen, sólo tienen que echar un vistazo a lo que vino después: "Jóvenes prodigiosos - Wonderful boys, 1999" (un petardo de cojones), "8 millas - 8 mile, 2001" (un truño bestial del que lo único destacable era la canción de Eminem), "En sus zapatos - In her shoes, 2005" (otra que tal pascual, pero esta vez con la insoportable Cameron Diaz).

En fin, que después de todo parece que ha sido flor de un día. Pero eso sí, que hizo un peliculón como "L.A. Confidential". Y eso no lo hace cualquiera, colega.

CINE DE LOS 80: "LOS INTOCABLES DE ELLIOT NESS"

TÍTULO: LOS INTOCABLES DE ELLIOT NESS

DIRECTOR: BRIAN DE PALMA

REPARTO: KEVIN COSTNER, SEAN CONNERY, ROBERT DE NIRO, ANDY GARCÍA, CHARLES MARTIN SMITH.

DURACIÓN: 120 min.

AÑO: 1987

GÉNERO: POLICIACO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Libre adaptación de la serie de televisión que se hizo famosa en durante la década de los 60, "Los intocables de Elliot Ness" se trata de una de las mejores películas de Brian de Palma, y una de las aproximaciones más espectaculares acerca de la lucha sin cuartel entre policías y gángsters durante los años de la ley seca.

Con un reparto de auténtico lujo, De Palma supo aprovechar cada dólar del presupuesto para ofrecer una genial visión del enfrentamiento entre un reducido grupo de policías honestos - los intocables del título - con todo un sistema corrupto de justicia y de criminales organizados. Argumentalmente, el guión de David Mamet (director y guionista ocasional de cine, y escritor ganador del Permio Pulitzer) no se anda con rodeos, y va directo al grano: la llegada a la brigada de antivicio de Elliot Ness (Costner) para luchar contra el crimen organizado capitaneado por Al Capone (De Niro), gracias a la ayuda de un puñado de policías honrados (Connery, García y Smith).

De Palma demuestra su enorme talento en la práctica totalidad de la película, no permitiendo que el espectador se distraiga entre las diversas set - pièces de la historia. Así, las primeras incursiones de Ness con la formación del grupo de intocables, y su posterior transición a los ataques que realizan contra la banda de Capone se suceden con una agilidad y maestrías admirables.

No se puede que es una película 100% De Palma: esos primeros planos contrapicados de Costner y Connery hablando en el interior de una iglesia, el travelling inicial en que se presenta a Al Capone en la habitación de su hotel, las sangrientas matanzas que se extienden a lo largo del film, o la ya clásica secuencia de la estación de tren con el carrito de bebé (De Palma nunca negó el homenaje que ésta supone a "El acorazado Potemkin - Bronenosets Potyomkin, 1929").

Esta es una película casi de obligada visión. No sólo resulta entretenida y emocionante, sino que es una muestra fantástica de lo que un director con talento y un reparto de autenticas estrellas es capaz de ofrecer. Y así se lo reconoció el público, que la convirtió en un estupendo éxito de taquilla, amén de dejarle el Oscar a Sean Connery como mejor actor de reparto.

• MR HYDE DICE:

Mira que disfruto destripando películas cuando me parecen un cagarro monumental... Pues en esta ocasión no me voy a poder dar el gustazo. O mejor, sí que me lo voy a dar, pero para más bien lo contrario. "Los introcables de Elliot Ness" es un peliculón. Así, tal cuál. Cojonuda desde que empieza hasta que acaba. Mira que tiene casi 25 años, pues sigue igual de brutal que el primer día.

No sabría muy bien qué destacar de toda la peli. En primer lugar, se agradece que la violencia de la película, por muy explícita que sea (que lo es, y a saco) siempre está justificada por cada parte de la historia - basta recordar la secuencia del asesinato de un testigo y de un "intocable" en un ascensor, o la caída de uno de los gangsters desde lo alto de un edificio -; De Niro y Connery, en especial, están insuperables en sus respectivos papeles; la música de Ennio Morricone es bestial; el guión desprende inteligencia a raudales; y, por supuesto, Brian de Palma demuestra que es uno de los mejores directores del cine reciente (cuando quiere, porque también hay veces que hace cada mierda...).

Secuencias a destacar hay a puñados: la famosa de la estación de trenes que incluye un carrito de bebé bajando descontrolado por unas escaleras (el montaje es, en una palabra, maestro); la planificación del asesinato de un testigo protegido por Ness; el atentado al inicio de la película en un bar... En fin, que me podría pasar el día contándolas.

En el apartado de los peros lo cierto es que no se me ocurren demasiados. Y los pocos en los que soy capaz de pensar son tan nimios que no merece ni la pena escribirlos. Maestro De Palma, lástima que no siempre haga así las películas, siendo que es capaz como bien había demostrado antes ("Fascinación - "Obsession, 1976", "Vestida para matar - Dressed to kill, 1980", "Doble cuerpo - Body double, 1984") o como demostraría años más tarde ("Atrapado por su pasado - Carlito's way, 1993", "Misión: Imposible - Mission: Impossible, 1996"). Por suerte, esta entra de lleno en el grupo de las geniales, fantásticas y cuantas alabanzas más se le puedan atribuir.

CINE CLÁSICO: "BEN-HUR"

TÍTULO: BEN-HUR

DIRECTOR: WILLIAM WYLER

REPARTO: CHARLTON HESTON, HUGH GRIFFITH, STEPHEN BOYD, MARTHA SCOTT, JACK HAWKINS

DURACIÓN: 212 min.

AÑO: 1959

GÉNERO: AVENTURAS - ÉPICO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Estamos ante una de las películas épicas del cine por excelencia, una de las mayores epopeyas cinematográficas de la historia del cine clásico, junto con "Lo que el viento se llevó - Gone with the wind, 1939" (unos años antes) y el "Cleopatra" de Mankiewicz (unos años después).

"Ben-Hur" tiene el acierto de contar con diversos elementos que le permitieron a Wyler construir un largometraje no sólo concentrado en los ingredientes del puro espectáculo, sino además desarrollar otras historias, tales como la amistad, la traición de la misma, o el perdón.

Así pues, "Ben-Hur" comienza con el enfrentamiento, a causa de un desafortunado incidente, de dos amigos, Ben-Hur, un noble judío (Heston) y Mesala, un militar romano (Boyd), que concluye en la condena a galeras del primero y encarcelamiento de su familia. El largometraje continúa con la conversión a gladiador de Ben-Hur y posterior enfrentamiento con Mesala en el circo romano, y concluye con el reencuentro del protagonista y su familia.

A estas alturas, pensar en "Ben-Hur" es prácticamente recordar la espectacular secuencia de casi un cuarto de hora de la carrera de cuádrigas en la que los dos antiguos amigos acaban enfrentándose a muerte. Desde luego, teniendo en cuenta la fecha en que se realizó la película, esta secuencia merece todas las alabanzas habidas y por haber. No sólo cuenta con una planificación matemática de cada uno de sus planos, sino que le aporta a una primera mitad más que correcta un punto cumbre magníficamente filmado. Por desgracia, el último tercio de la cinta acaba perdiendo algo de este gas, no alcanzando la emoción que se había mantenido hasta ese momento.

Sin embargo, esto no es obstáculo para que, más de cincuenta años después, "Ben-Hur" se siga mirando con un merecido respeto, al que sin duda colaboraron los 11 premios de la Academia, record que se mantuvo inigualado hasta que, en 1997, James Cameron se comiera medio mundo con su "Titanic".

En este caso, William Wyler supo alejarse de otras películas que ya lo habían encumbrado previamente, como fue el caso de "Los mejores años de nuestra vida - The best years of our lives, 1946", "Vacaciones en Roma - Roman Holiday, 1953", u "Horizontes de grandeza - The big country, 1958" y sacarle todo el jugo posible a la faustuosa decoración, a la excelente fotografía de Robert Surtees, y a un Charlton Heston en pleno estado de gracia (¿sabían que sólo fue nominado una vez a los Oscar, y que fue precisamente por esta película?).

• MR HYDE DICE:

Sé que al decir esto más de uno se puede llevar las manos a la cabeza, pero qué le vamos a hacer: "Ben-Hur" me pareció un coñazo de padre y señor mío. Estará todo lo bien hecha que quieras, y tendrá esa etiqueta de "intocable" que tienen las mayoría de películas clásicas (como si no hubiera cine clásico que fuera un tostón), pero no hay excusa que justifique más de tres horas y media de película, al menos en este caso.

Muchas veces he pensado que si a una película le hubieran metido un buen tijeretazo, y acabaran durando veinte o treinta minutos menos, serían auténticas maravillas. Bueno, pues a "Ben-Hur" le sobra una hora larga de película. Porque vamos a ver, ya me dirás qué falta hace, cuando ya llevas contando la historia durante dos horitas largas, y te has cargado al malo de la función, alargar el tema durante una hora y pico más. Y encima dale que te pego al tema de la madre y hermana del pollo, que habrán sido muy desgraciadas y todo lo que tú quieras, pero coño, resúmelo todo en diez minutos y a otra cosa maripili.

Y bueno, ya para acabar de completarlo, va y te sacan a Jesucristo en dos o tres ocasiones, cuya presencia acaba siendo fundamental para el desenlace de la trama, pero cómo decirlo, a mí esto ya me parece... ridículo. En fin, que una pena que una película que hubiera sido el ful de Estambul si acabara cuatro secuencias después de la carrera de cuádrigas (excelente, por otra parte) y se dejara de tanta monserga.

Para aquellos a los que no les guste el cine clásico (ellos se lo pierden), ahí va un consejo: si veis "El gladiador - Gladiator, 2000), tenéis casi lo mismo, solo que bastante más entretenido y mucho más moderno. Porque, básicamente, la historia del noble / general que acaba cayendo en desgracia y se ve obligado a convertirse en gladiador para sobrevivir, enfrentándose al malo de turno al final, está casi calcada (¿sabéis lo que hizo James Cameron con "Avatar - Avatar, 2009" en comparación con "Pocahontas"? Pues aquí tres cuartos de lo mismo).

Por lo demás, si alguien tiene interés en verla, lo aconsejo, ya que se trata de uno de los clásicos básicos de la historia del cine que, al menos una vez, habría que ver. Como ya he dicho antes, otra cosa es que, aparte de imprescindible, acabe gustando. Y, si os cuesta encontrarla, sólo tenéis que esperar a la próxima Semana Santa, ya que es tan probable que la pongan como que en Navidad emitan por enésima vez "¡Qué bello es vivir! - It's a wonderful life, 1946".

CINE A DESCUBRIR: "MANUALE D'AMORE"

TÍTULO: MANUALE D'AMORE

DIRECTOR: GIOVANNI VERONESI

REPARTO: CARLO VERDONE, SERGIO RUBINI, LUCIANA LITTIZZETTO, SILVIO MUCCINO

DURACIÓN: 122 min.

AÑO: 2005

GÉNERO: COMEDIA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Me resulta curiosa la forma en que se da a conocer esta película italiana entre el público español. En los casos que conozco, siempre es alguien que la ha visto que la recomienda encarecidamente a algún amigo, a quien le acaba encantando. Por supuesto, siempre hay excepciones, pero sí que es cierto que suele ser la tónica general. A mí, desde luego, me pasó tal cuál la acabo de contar. Y, para ser sincero, me alegro muchísimo de que lo hicieran porque, sin duda, "Manuale d'amore" no sólo es una comedia romántica estupenda, sino una de las experiencias cinematográficas más agradables que recuerdo.

Si a alguien, al leer "comedia romántica", le viene a la mente la última película de Jennifer López o la enésima versión de chico conoce chica - chico pierde chica - etc., ya se puede ir olvidando. A Dios gracias, "Manuale d'amore" está muy por encima de cualquiera de estas películas, gracias tanto a la originalidad de su historia (mejor dicho, de sus historias), como al estado de gracia en que parecen estar todos los actores del reparto, sin excepción.

La película se divide en cuatro historias independientes, a la que siempre da paso algún personaje de la historia anterior. Planteada como si se tratara de una guía sobre las diferentes etapas de las relaciones sentimentales, "Manuale d'amore" da inicio con la historia de dos jóvenes (la titulada "el enamoramiento") para proseguir con los vaivenes de una pareja que siente el peso de los años de su relación (el episodio "la crisis"), seguir con el juego de infidelidades de una guardia de tráfico y su marido (divertidísimo el episodio "la traición"), y concluir con un canto a la esperanza tras el fracaso de una relación (genial Carlo Verdone interpretando el último capítulo "el abandono").

"Manuale d'amore" rebosa originalidad por los cuatro costados. No en vano, cuando se estrenó se convirtió en la producción nacional de más éxito del año, acaparando hasta 12 nominaciones en los premios Donatello del cine italiano (algo así como los Goya de aquel país) lo que, sin duda, ha favorecido que se generen dos secuelas más: "Manuale d'amore 2. Corregido y aumentado - Manuale d'amore 2, 2007" (también divertida, pero algo más probre que la anterior), y "Manuale d'amore 3 - Manuale d'amore 3, 2011" (estrenada en el mercado italiano hace pocas semanas).

En resumen, "Manuale d'amore" es una visión fresca y nueva de la comedia romántica, en el más exacto sentido de la palabra. Una combinación de historias con su punto de crítica ácida, pero jamás carentes de buenas intenciones y de simpatía que al espectador le acaba agradando casi a la fuerza. No resulta sencillo hablar abiertamente de los pormenores de las relaciones de pareja, tal y como lo propone la película lo que, por otra parte, colabora en que cada uno se identifique mejor con las situaciones tan divertidas que propone la película. Tengamos en cuenta que toca temas como la crisis de pareja o de la infidelidad, y todo ello sin perder el sentido del humor. Hasta para hacer cosas así hay que ser un artista.

• MR HYDE DICE:

Pues a mí me paso lo que dice el menda de arriba. Me recomendaron la película diciendo que si era buena, que si me iba a gustar y todo ese rollo. A ustedes no sé, pero a mí es suficiente que insistan una y otra vez en lo maravilloso que me va a parecer algo para que le acabe cogiendo tiña aún antes de haber visto nada. Bien, pues me encanta admitir que en este caso estaba equivocado.

"Manuale d'amore" es una película cojonuda, divertida e ingeniosa. Así, tal cuál, y no me pesa reconocerlo. Yo tampoco soy muy dado a este tipo de películas romanticonas. Es más, creo que, salvo ésta, el resto de las mil cuatrocientas que se hacen todos los años son iguales. Uno podría empezar una, seguir con otra y acabar viendo el final de una tercera, y no vería la diferencia. En "Manuale d'amore" esto no pasa, por suerte.

Si el domingo por la tarde estáis en casa, hace mal tiempo o, directamente, no os apetece salir, os podéis poner esta peli y disfrutar durante casi un par de horas. Si me dejáis daros un consejo, ésta es una de esas pelis que merece ver con tu chica al lado, ya que se disfruta el doble (hacedme caso, sé de lo que hablo). Lo que no quita para que uno se pueda entretener viéndola solo. Es una de las (muchas) ventajas que tiene "Manuale d'amore". Sin ir más lejos, yo ya me la he visto 3 veces...

Un apunte final: si os gusta ésta, no os perdáis la segunda. No es tan buena, pero tiene momentos geniales (la tercera aún no la he visto, pero tengo intención de hacerlo en cuanto se estrene). Al fin y al cabo, ¿cuántas veces pueden coincidir en una misma película bellezones como Monica Bellucci y Esla Pataky?

NOVEDADES VIDEOCLUB: "LA RED SOCIAL"

TÍTULO: LA RED SOCIAL

DIRECTOR: DAVID FINCHER

REPARTO: JESSE EISENBERG, ANDREW GARFIELD, JUSTIN TIMBERLAKE, MAX MINGHELLA

DURACIÓN: 122 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Antes de ver la película, me hacía dos preguntas. ¿Cómo demonios se hace una película sobre el facebook?, y ¿Qué puede tener de interesante una película sobre cómo se hizo esto mismo? Bueno, pues reconozco que la película de David Fincher respondió satisfactoriamente a ambas preguntas.

Desde luego, si hay que reconocerle algo a "La red social" es que es un prodigio de guión y de dirección. El resto, es pasable. El guión firmado con Aaron Sorkin (guionista de numerosos episodios de la serie de televisión "El ala oeste de la Casa Blanca", y guionista de otras estupendas películas como "Algunos hombres buenos - A few good men, 1992") rebosa ingenio a raudales. No sólo por poner en boca de los protagonistas diálogos estupendos e inteligentes, sino por saber dar coherencia a una historia, a priori, poco prometedora.

En lo que concierne a David Fincher, basta echar un vistazo a su carrera cinematográfica para poder ver que cuenta tanto con títulos realmente buenos ("Seven - Seven, 1995" o "The game - The game, 1997") como distraídos ("La habitación del pánico - Panic room, 2002"). Sin embargo, en "La red social", consciente de la riqueza del guión (justo ganador del Oscar en esta pasada edición), y apoyado en una labor encomiable de los montadores Angus Wall y Kirk Baxter (también ganadores el pasado año de la estatuilla dorada) para servir en bandeja una historia interesante desde los primeros minutos, acerca de la vanidad, la codicia, la envidia y la genialidad. Además, se agradece que no hayan escatimado en esfuerzos a la hora de retratar el caráceter decididamente eogísta del protagonista en su ascenso hacia la riqueza.

No hace falta estar familiarizado con el funcionamiento del facebook para disfrutar de "La red social". Sí que es un añadido, pero no imprescindible. Por suerte, sus responsables se han preocupado en profundizar en el proceso de creación desde la humanidad que aportan las situaciones de unos jóvenes pioneros con un proyecto visionario, si bien sus decisiones pueden acabar siendo más o menos criticadas por los espectadores.

"La red social" no es una película de Oscar, de hecho, considero que bastante por satisfecha se puede dar con los 3 galardones que se le han concedido. Sin embargo, se agradece que alguien en la meca dorada del cine haya tenido el detalle de presentar una película inteligente e interesante a partes iguales lo que, sin duda, favorece a que el público la pueda ver y pasar dos horas descubriendo los entresijos de una de las redes sociales (red social = negocio) más poderosas del mundo.

• MR HYDE DICE:

Pues hombre, no es para tirar cohetes, pero tampoco molesta. Digamos que "La red social" es de esas pelis que ves, de las que guardas buen recuerdo, pero que a los dos días te has olvidado. El actor principal que interpreta al creador del facebook resulta muy convincente haciendo de crío repelente (me pregunto si, en realidad, Jesse Eisenberg, no será también así de repelentillo), y el resto de actores lo cierto es que le van a la zaga (para los de la ESO, "ir a la zaga" = "hacer lo mismo").

En cuanto al resto pues poco más que añadir. La música le es pegadiza a la peli pero escuchándola mientras uno la ve, porque yo he intentado a ponerme el CD a palo seco y me pareció un truño del 14. Pero bueno, supongo que eso ya sería ahondar demasiado en cuestiones técnicas.

Pero vamos, que si tenéis ocasión de verla, notaréis que os deja un regusto de satisfacción al acabarla. Que tres semanas después de verla sigáis pensando que es un peliculón, eso es algo que dependerá de cada uno de vosotros. A mí, a día de hoy, no me lo parece. Y eso que me gustó cuando la acabé.

ESPECIAL SEMANA SANTA: "LA PASIÓN DE CRISTO"

TÍTULO: LA PASIÓN DE CRISTO

DIRECTOR: MEL GIBSON

REPARTO: JIM CAVIEZEL, MONICA BELUCCI, FRANCESCO CABRAS, MAÏA MONGENSTERN

DURACIÓN: 124 min.

AÑO: 2004

GÉNERO: DRAMA ÉPICO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Recuerdo pocas películas que hayan levantado una polémica tan reaccionaria antes de su estreno como le sucedió a "La pasión de Cristo". Y todo esto sin que nadie hubiera visto ni un sólo fotograma antes, aparte de los "expertos" en la materia a los que se les consultó durante el rodaje de la misma.

Resulta, pues, injusto prejuzgar la que con toda probabilidad sea la obra maestra de su máximo responsable, Mel Gibson, sin tener en cuenta dos cosas: la primera, que se trata de una película y, por consiguiente, de dos horas de entretenimiento en las que, como sucede en otros largometrajes, el espectador tiene ocasión de tanto de identificarse en mayor o menor grado con el personaje, de sufrir con él, o de escuchar simplemente la historia que se le está contando; la segunda, que "La pasión de Cristo", se limita a relatar los hechos tal y como se tiene documentado que sucedieron, sin pretender que unos u otros sean los malos de la función.

Dicho esto, en lo que a "La pasión de Cristo" se refiere, es una película excelente. A nivel interpretativo, las actuaciones de todo el reparto son correctas. Jim Caviezel convence aportando, si se me permite el calificativo, una "humanidad" al personaje que no se había encontrado hasta el momento en otras cintas de similares características (otros Cristos interpretados por grandes actores como Max Von Sydow oWillem Dafoe parecen estar en perpetuo estado de trance), Monica Belucci renuncia a su tremenda belleza para enfundarse en el manto de María Magdalena con corrección pero, quien debe llevarse todos los elogios habidos y por haber, es la actriz rumana Maïa Morgenstern, quien interpreta a la Virgen María con una fuerza y una credibilidad ciertamente admirables.

A nivel técnico, la película no desmerece mucho menos. Al contrario, Mel Gibson demuestra ser un director con una agudeza visual tremenda. No sólo utiliza prácticamente todos los recursos habidos y por haber del lenguaje cinematográfico, sino que es capaz de lograr que un único plano, o un encuandre aparentemente simple, aporten una vitalidad y sentimiento al conjunto que, en manos de otro director, hubiera logrado un resultado diferente (por no decir "peor").

Por último, sí quisiera comentar un último detalle: la violencia del film. No quisiera ser más papista que el Papa, pero una película como "La pasión de Cristo" que habla precisamente de eso, de la pasión que sufrió Jesucristo, ni de los detalles de sus años de vida anteriores, ni de otro momento histórico, sino del calvario por el que tuvo que pasar, es obvio que el momento de la tortura a la que fue sometido debía ser una parte fundamental del largometraje. ¿Tiene escenas violentas? Sí, desde luego. ¿La violencia explícita es gratuita? En absoluto. Como mucho, se podría haber tratado de controlar un poco más la dosis de carnicería a la que se somete a Cristo, pero eso no haría que el resultado fuera una película mejor.

"La pasión de Cristo" representa un claro ejemplo de cómo todos los elementos que la componen están puestos por algún motivo. Y es casi seguro, que por ello, vista aún hoy en día, resulta una experiencia tan conmoverdora como fascinante. Esa es la magia del cine, y de las películas bien hechas.

• MR HYDE DICE:

No soy de llorar con las películas. De hecho, creo que sólo he soltado una lágrima o dos en toda mi vida. Pero mentiría si dijera que con "La pasión de Cristo" no tuve una pelota en la garganta durante casi todo el rato. Y cuidadín, que si me llegan a decir que me pasaría esto con una peli sobre Jesús, y que además está hablada en latín-griego-hebreo y no sé qué cosas raras más, pensaría que el que habla conmigo ha estado fumando algo más que tabaco.

Cuando uno ve una peli como ésta, da igual que seas un beato creyente, o el ateo más convencido, porque las imágenes que uno ve resultan tan impactantes por su fuerza y brutalidad (dicho en el mejor de los sentidos) que no sólo es casi imposible apartar los ojos de la pantalla, sino que es fácil olvidarse de que estamos viendo una película y que, en lugar de ello, asistimos al relato en primera mano de lo que pasó.

Y que no vengan tocando los bajos fondos aquellos pedorros de turno, diciendo que si tiene mucha violencia y que si es gore. ¡Qué gore ni qué cojones! Resulta que películas como las de la serie "Saw" o casi cualquiera de Tarantino se estrenan contando con el beneplácito de la audiencia, pero ojo, que si se trata de algo que tiene que ver con la religión católica es caca. Pues no señores, esta película contiene escenas sangrientas porque la historia que sucedió pasó de esta forma (y Dios sabe, nunca mejor dicho, si no fue más salvaje).

De todas formas, por suerte para el expectador, Mel Gibson es un director formidable, como ya había demostrado años antes con "Braveheart - Braveheart, 1995", y consigue que, pese a los momentos truculentos que tiene la peli, uno no tenga la sensación de que está asistiendo a un festival de casquería, sino que padece con el personaje cada minuto que dura el suplicio. Y eso no lo logra cualquiera.

"La pasión de Cristo" es una película como la copa de un pino y, aunque tampoco la considero una obra maestra del cine, desde luego sí es el resultado de un director formidable, y de una manufactura envidiable.

CINE ACTUAL: "ORIGEN"

TÍTULO: ORIGEN

DIRECTOR: CHRISTOPHER NOLAN

REPARTO: LEONARDO DICAPRIO, JOSEPH GORDON-LEWITT, MARION COTILLARD, TOM BERENGER, CILLIAN MURPHY, ELLEN PAGE, KEN WATANABE, TOM HARDY

DURACIÓN: 150 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: CIENCIA FICCIÓN

• EL DR. JECKYLL DICE:

Menos mal que el actual cine de Hollywood cuenta con Christopher Nolan para rodar películas de ciencia ficción que no tienen nada que ver con naves espaciales o con alienígenas que quieren destruir la Tierra. En lugar de eso, Nolan ha sido capaz de enganchar al público con una historia centrada en la manipulación de los sueños (pocos recursos permiten más libertad a la ciencia ficción que el mundo de los sueños), a la vez que ha logrado hacer una película digna de lo mejor del género.

Tratar de describir el argumento de "Origen" resulta casi imposible, por lo que sólo diremos que el personaje encarnado Leonardo DiCaprio (cada vez mejor actor) es un especialista en infiltrarse en los sueños de sus "víctimas", depositando en sus mentes una idea o propósito que éstos, al despertar, terminan por acometer. Y, como decían en aquel concurso de la tele, hasta aquí puedo leer. El resto de la película se compone de una serie de cajas chinas cuyas sorpresas y descubrimientos resultan tan sorprendentes como fascinantes.

Visualmente, "Origen" es un auténtico prodigio. No sólo por la fotografía de Wally Pfister (ganador del Oscar en la última edición por su magnífico trabajo), el montaje de Lee Smith (la de montadores que deberían aprender del montaje de esta película), o la inquietante música de mi adorado Hans Zimmer, sino por cómo un argumento tan enrevesado acaba enganchado de principio a fin al espectador, durante las más de dos horas que dura la película.

En casos como "Origen" es preferible verla sin ninguna opinión preconcebida al respecto. Sin embargo, vaya por delante que a mí me ha parecido una de las películas más asombrosas que he visto en mucho tiempo, y la mejor del año pasado sin duda alguna.

• MR HYDE DICE:

¡Menuda rayada de película! Al principio cuesta seguirles el rollo. Es más, hasta que no pasan unos 20 minutos empiezas a pensar que la peña que ha hecho la peli se ha fumado perejil en mal estado. Y de repente... ¡Zasca!, aparece París doblándose sobre sí misma. Y, tras eso, empieza una especie de juego de caza del gato y el ratón brutal en que vale casi todo: pasillos de hoteles que pierden la gravedad (impresionante esa secuencia), ciudades enteras inundadas de rascacielos, persecuciones trepidantes y un largo número de momentazos y giros argumentales que te dejan con la boca abierta.

Si alguien no ha tenido la suerte de verla en pantalla grande (fundamental para poder sacarle todo el jugo posible), que no se lo piense dos veces a la hora de conseguirla en bluray o DVD porque, realmente, merece la pena. Que los primeros minutos no os engañen: "Origen" es una peliculón de ciencia ficción bestial, y los seguidores de Christopher Nolan que lo descubrieron con "Memento - Memento, 2000", se lo pasaron en grande con ese otro peliculón que es "El caballero negro - The dark knight, 2008" y que, incluso disfrutaron con otras pelis menor interesantes como "El truco final - The prestige, 2006", no se sentirán decepcionados lo más mínimo con esta propuesta. Créanme, se lo dice alguien que, desde que salió la película el verano pasado, ya se la ha visto cuatro veces.