CINE DE LOS 80: "EXCALIBUR"

TÍTULO: EXCALIBUR

DIRECTOR: JOHN BOORMAN

REPARTO: NIGEL TERRY, NICOL WILLIAMSON, HELEN MIRREN, NICOLAS CLAY, PAUL GEOFFREY, CHERIE LUNGHI

DURACIÓN: 138 min.

AÑO: 1981

GÉNERO: AVENTURAS

• EL DR. JECKYLL DICE:

Considerada casi un icono del cine de aventuras de principios de los años 80, "Excalibur" continúa siendo hoy en día una de las versiones más lujosas acerca de la historia del Rey Arturo y sus caballeros de la mesa redonda. El lujo con el que el director inglés John Boorman supo plasmar la leyenda de la mítica espada, los encantamientos y batallas que envuelven toda la mitología que se ha desarrollado en torno a ella, aún no ha sido igualada si bien, en propuestas del cine épico y de aventuras más reciente, ha sido fácil reconocer las influencias de este largometraje (me estoy refiriendo a la última versión de "Furia de titanes - Clash of the titans, 2010").

Boorman colaboró en la creación de este ambicioso proyecto, participando desde un primer momento en el guión, junto a su colaborador Rospo Pallenberg, con el fin de presentar una versión diferente de una historia que ya había sido llevada a la gran pantalla con anterioridad. En "Excalibur", la acción da comienzo cuando el caballero Uther (Byrne), con la ayuda del mago Merlin (Williamson) y de la mágica espada Excalibur -otorgada a la humanidad por la misteriosa dama del lago- vence al Duque de Cornwall tras una dura batalla, y tras haber seducido a su esposa, fruto de lo cuál nace el pequeño Arturo. Sin embargo, tras sufrir una emboscada, antes de su muerte Uther deja clavada en una roca a Excalibur, con la premisa de que, quien la arranque de la piedra se proclamaría rey. Pasados los años, un adulto Arturo (Terry), que ha sido criado bajo el amparo de Marlin, logra sacar de la roca la piedra que lo acaba conviertiendo en rey. Ya coronado, Arturo emprenderá la compleja misión de restablecer la paz entre sus dominios y completar la búsqueda del Santo Grial, para lo que cuenta con la ayuda de su mano derecha, el caballero Lanzarote (Clay), y con la constante amenaza de su hermanastra Morgana (Mirren), también hechicera.

Como apuntaba al comienzo, la estética utilizada en "Excalibur" supuso un soplo de aire fresco al género de aventuras medievales que, hasta ese momento, se había concentrado no sólo en una excesiva corrección de los aspectos visuales (los caballeros medievales aparecían de lo más pulcro frente a la suciedad y decadencia de los que participan en el film de Boorman, las batallas resultaban casi irreales en comparación con la violencia y la sanguinolencia de "Excalibur", y los héroes parecían ser casi siempre perfectos en contraste con los sentimientos plenamente humanos de unos caballeros de la mesa cuadrada en ocasiones codiciosos y envidiosos), sino que no abarcaban más que determinados puntos de la historia del Rey Arturo.

De esta forma, Boorman aportó un estilo visual cuidadísimo a su épica visión del mito nórdico, abarcando la casi totalidad de la historia del Rey Arturo, desde su nacimiento, pasando por el ya mítico momento en que logra arrancar la espada de la piedra, continuando con la fundación de la tabla redonda, y culminando con la temible búsqueda del Santo Grial.

Sin embargo, es precisamente, esta ambición de querer abarcarlo todo lo que acaba por resultar el talón de aquiles del film. Pasados los primeros noventa minutos, el ritmo del largometraje empieza a decaer, en especial cuando la historia se centra en la búsqueda del Santo Grial, y en todo lo relacionado con el calvario que debe padecer Percebal para salir victorioso de su misión. Es aquí cuando Boorman para sentirse excedido por la excesiva grandeza del relato, no sabiendo muy bien cómo tratar todo el tema relacionado con el hijo de la bruja Morgana, y la decadencia del reino de Arturo.

No obstante, esto no es impedimento para que "Excalibur", treinta años después de su estreno, siga fascinando del mismo modo a quienes la vuelven a ver de nuevo, y a quienes la descubren por primera vez. Sea la magia del cine o del mago Merlin, no cabe duda de que "Excalibur" es, a día de hoy, uno de los iconos de referencia del cine de aventuras de la década de los 80, y que logró sentar base para lo que acabarían siendo los relatos de aventuras medievales que acabarían por realizarse después. Un auténtico lujo de película, por más que se acabe alargando un poco su final.

• MR. HYDE DICE:

Sin que sirva de precedente, estoy de acuerdo con Jeckyll. La peli es una flipada guapísima. Pero al final al Boorman este se le va un poco la pinza y empieza a irse un poco por los cerros de Úbeda. Eso sí, aguita con más de una secuencia que tiene, que me sigue dejando con la boca abierta. ¿Qué os parece el momento en que Uther (pedazo de cabrón, el colega), antes de palmarla, clava la espada en la piedra? -lástima que cuando Arturo la arranca no haya ni la mitad de esa misma emoción- ¿Y esa imagen de la dama del lago sacando con una sola mano la espada del lago, y dándosela a Merlin? ¿O cuándo se pelea por primera vez con Lanzarote, rompe la espada contra la armadura del segundo, y la dama del lago vuelve a entregársela? Y eso por no hablar de cómo consiguen hacer brillar esas armaduras que parecen estar hechas de plata, salvo la del hijo bastardo de Arturo (joer, menudo incesto que tiene el primo Arturo con su hermanastra...), que brilla como el oro y con un casco que da un mal rollo del carajo.

De todas formas, "Excalibur" sigue siendo un peliculón. Cierto es que la cosa se alarga demasiado al final -a uno le dan ganas de meterse en la peli y pasarle el dichoso cáliz de una vez a Arturete-, y tampoco queda claro cómo, después de que Ginebra le ponga los cuernos con Lanzarote, el reino se sume en una especie de depresión. ¿Alguien se ha aclarado de cómo se llega a ese punto? ¿O de por qué de repente se le ocurre a Arturo ponerse a buscar como un condenado el Santo Grial? Es más, ¿qué coño pinta el Grial en todo esto? Pero bueno, pequeños defectos que no se le deben echar en cara más de lo necesario a una peli que sigue impresionando si se ve hoy en día. En comparación con otras pelis más famosas de la época, como "El dragón del lago de fuego - Dragonslayer, 1981" o la de James Bond "Sólo para sus ojos - For your eyes only, 1981" y vereis cómo se nota la diferencia entre éstas -que se ven mucho más viejas- y "Excalibur".

En serio, no os la perdáis si tenéis ocasión de verla y, si ya la habéis visto, fijo que os engancháis viéndola otra vez. A mí, al menos me ha pasado, que la había visto. Y, mi chica, que no la había visto, se la acabó papando enterita. ¡Y eso que la pasaban por la tele en una sesión matinal!

CINE CLÁSICO: "DOCE HOMBRES SIN PIEDAD"

TÍTULO: DOCE HOMBRES SIN PIEDAD

DIRECTOR: SIDNEY LUMET

REPARTO: HENRY FONDA, LEE J. COBB, JACK WARDEN, E.G.MARSHALL, MARTIN BALSAM

DURACIÓN: 93 min.

AÑO: 1957

GÉNERO: INTRIGA

• EL DR. JECKYLL DICE:

El debut en la dirección del prestigioso director Sidney Lumet no pudo empezar mejor que con este magnífico largometraje de "teatro filmado" (algo similar al estilo que pocos años antes Hitchcock había utilizado en "La soga - The rope, 1948"), basado en la obra de Reginald Rose. Utilizando una única localización, Lumet fue capaz de desarrollar una historia con un complejo entramado ético, en el que la evolución de los personajes está planificada casi a la perfección desde el primer minuto hasta el último. Y, a la cabeza del estupendo cartel de intérpretes, se encuentra un soberbio Henry Fonda.

Los doce miembros de un jurado popular se reunen en la sala de deliberación con el fin de alcanzar un veredicto en el caso de un adolescente acusado del asesinato de su padre. En una primera ronda, once de los miembros del jurado se inclinan por votar a favor de la culpabilidad del acusado, mientras que uno de ellos discrepa, apostando por la inocencia del joven muchacho. Agobiados por el tremendo calor de la sala de deliberaciones, y por las prisas y ganas de acabar con el asunto, el resto de miembros del jurado tratan de convencer al doceavo de que se decante por un veredicto de culpabilidad pero, sorprendentemente, éste consigue ir incorporando poco a poco razonamientos que empiezan a hacer dudar al resto de componentes.

"Doce hombres sin piedad" es una película directa y sin concesiones. Lumet no pierde el tiempo con presentaciones inútiles (de hecho, ni siquiera nos permite conocer el nombre de los diferentes personajes), sino que va directo al grano haciendo que las diferentes opiniones y puntos de vista que expone el miembro que discrepa del resto vayan adquiriendo una inesperada fuerza y sentido en todo el proceso. Es cierto que el guión no permite tratar de una forma más benévola a algunos de los personajes que de forma más férrea defienden el veredicto de culpabilidad (o se empiezan a mostrar muy a favor o muy en contra, sin llegar a contemplar una posición más intermedia).

Sin embargo, es admirable lo apasionante que llega a resultar el guión de esta película. No sólo es sólido como el hierro, sino que es impresionante ver cómo, casi sin resultar cargante, el miembro discordante empieza a plantear serias dudas sobre un proceso que, en el caso de fallar a favor de la culpabilidad, supondría la condena a muerte del acusado. Del mismo modo, sorprende la aparente frialdad con la que el resto de miembros se toma el hecho de decidir el futuro del joven, sin importantes lo más mínimo, el un principio, los hechos poco claros del proceso que pueden hacer que la balanza se decante hacia un veredicto diferente.

Por último, destaca con una fuerza bárbara la soberbia actuación de Henry Fonda, quien no sólo da la sensación de no estar actuando en absoluto, sino que con su capacidad expresiva es capaz de transmitir los detalles más sutiles y convincentes. Es así como destacan momentos únicos como la recreación de cómo uno de los testigos del proceso (un viejo cojo) dice que vio en el lugar del crimen al acusado, o cómo se saca del bolsillo una navaja automática idéntica a la que la acusación ha identificado como la extraña arma homicida.

"Doce hombres sin piedad" es una película tremenda, filmada con una sobriedad poco frecuente en los debuts de un director -claro que, luego, es fácil observar lo que ha representado la inmensa carrera de Sidney Lumet dentro de la historia del cine-, por lo que la sorpresa agradable ante una película como ésta es aún mayor. En a penas hora y media de película, Lumet despliega todo su talento para firmar una obra redonda y llena de una fuerza moral que pocas veces se ha visto en una pantalla de cine. Puede ser que la acompañen en este grupo otras obras redondas como "Matar a un ruiseñor - To kill a monkingbird, 1962" o "La lista de Schindler - Schiondler's list, 1993", aunque filmada con muchas más limitaciones y restricciones presupuestarias por lo que, en este caso sí, el reconocimiento que se le debe es un poco mayor.

• MR. HYDE DICE:

Vi "Doce hombres sin piedad" casi como una obligación para alguien a quien el pirra el cine. Había oído decir que era un buena película, que era la primera que había hecho Lumet y todo ese rollo. Por tanto, mi predisposición era positiva al comenzar a verla. También es cierto que me tiraba un poco para atrás pensar que toda la acción de la peli se reduce a una cochambrosa habitación de la que no salen los protagonistas en todo el rato que dura la cosa. Y es por eso que mi sorpresa fue tan grata cuando, a medida que iba avanzando la historia, me sentía cada vez más enganchado.

"Doce hombres sin piedad" es una película buenísima, tanto por sus actuaciones (un tanto teatrales en ocasiones, pero sobresalientes en cualquier caso), como por la forma en que está hecha. Repito: no salen de una habitación en todo el rato, pero el guión y el argumento son tan cojonudos que te tienen con la mirada clavada en la pantalla todo el rato.

Por un lado, flipas de ver cómo la peña es capaz de mandar a un criajo a la silla eléctrica sólo porque tienen entradas para un partido de fútbol y no quieren que el proceso les haga llegar tarde, o porque están cabreados con sus propios hijos y lo pagan con un pobre diablo o, aún peor, porque el voto de culpabilidad es el que da la mayoría y no quieren ser la voz disonante. Menos mal que los argumentos y puntos de vista que expone el espabilado de Fonda (de Oscar su actuación) les hace ir abriendo poco a poco los ojos, y dándose cuenta de que no todo está tan claro como parecía.

Será antigua, será en blanco y negro, y será una obra de teatro calcada en el cine, pero "Doce hombres sin piedad" es un ejemplo de cómo hacer buen cine con buenos ingredientes, y de cómo no son necesarios tantos pedos cerebrales para hacer una obra redonda. Y, si encima te paras a pensar que es la primera que hizo Lumet, pues ya flipa en colores. Hacedme caso, que éste es otro de los clásicos que os alegraréis de haber visto. Además, en hora y media ya te la has visto. Buen cine y breve. ¿Qué más queréis?

CINE A DESCUBRIR: "LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO"

TÍTULO: LARGO DOMINGO DE NOVIAZGO

DIRECTOR: JEAN-PIERRE JEUNET

REPARTO: AUDREY TATOU, DOMINIQUE PINON, GASPARD ULLIEL, ANDRE DUSSOLIER, MARION COTILLARD, ALBERT DUPONTEL

DURACIÓN: 135 min.

AÑO: 2004

GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

El cineasta francés Jean-Pierre Jeunet ha demostrado, desde el inicio de su carrera como realizador, una asombrosa habilidad para desarrollar en sus película historias de lo más variado, destacando así la creación del universo esperpéntico de "Delicatessen - Delicatessen, 1991", la tétrica y brutal ciencia ficción de "Alien resurrección - Alien resurrection, 1997", o la originalidad y frescura de la famosísima "Amélie - Le fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2001". Así pues, no resulta extraño que la adaptación de la novela de Sébastien Japrisot representara para Jeunet un desafío interesante con cuya adaptación cinematográfica enriquecer su curiosa filmografía.

Manteniendo buena parte del tono fresco y original de la novela, "Largo domingo de noviazgo" comienza con la presentación de cuatro soldados franceses que, durante la Primera Guerra Mundial, quisieron escapar de los combates, justificando lesiones físicas ocurridas en combate. Debido a que alguno de ellos se había auto lesionado, todos fueron condenados a muerte por su propio batallón. Sin embargo, antes de que se les pudiera aplicar la pena, un asalto a los batallones franceses por parte de las tropas enemigas acaba por completo con el rastro de los cuatro hombres, entre los que se encuentra Mattieu (Ulliel). Cuando se le comunica la noticia de su muerte a su novia Mathilde (Tatou), una joven afectada por una irreversible cojera, se niega a creer que su amado haya muerto en el campo de batalla. Por este motivo, comienza a indagar en las extrañas circunstancias políticas y militares que provocaron la misteriosa desaparición de los cuatro hombres en el frente, iniciando una apasionante investigación en la que irá descubriendo secretos que más de un implicado mataría por guardar a salvo.

"Largo domingo de noviazgo" es una película excelente en la práctica totalidad de los aspectos. La adaptación de la historia a la gran pantalla está hecha con un esmero magnífico, sabiendo mantener en todo momento el equilibrio perfecto entre la historia de amor de los jóvenes protagonistas (presente en el relato a través de unos bellísimos flashbacks), con el entramado misterioso tras el que se encuentran los motivos por el que nadie se atreve a hablar sobre los hombres desaparecidos en el frente (las paulatinas investigaciones e interrogatorios que lleva a cabo Mathilde -atención al muy acertado cameo de Jodie Foster-), y las arrebatadoras escenas de enfrentamientos en el campo de batalla (la espectacularidad de las escenas de guerra en "Largo domingo de noviazgo" son a las películas de acerca de la Primera Guerra Mundial lo que fue "Salvar al soldado Ryan - Saving private Ryan, 1998" a las películas sobre la Segunda Guerra Mundial).

Así pues, Jeunet despliega un conjunto insuperable de emoción a lo largo de las más de dos horas de metraje, aportando las dosis de emoción justas en cada momento: en la investigación por parte de Mathilde, cuando la joven va encontrando poco a poco las pistas que parecen guiarla hasta su amado; en las escenas de guerra, cuando se muestran los combates de las tropas francesas en unas trincheras totalmente inhumanas; y en la historia de amor, con la insuperable actuación de una Audrey Tatou que demuestra a la perfección que hay vida más allá de su personaje de Amélie (ver al respecto el momento en que se despide de su amado cuando es llamado a filas, o cuando recibe la noticia de la muerte de éste o, incluso, en el plano final que cierra el largometraje -su mirada habla por sí misma-).

En el aspecto técnico, la película no se queda atrás, donde hay tres cosas que llaman especialmente al atención. En primer lugar, la preciosísima música compuesta por el neoyorquino de origen italiano Angelo Badalamenti (compositor habitual de las películas de David Lynch), que consigue reforzar tanto el toque de romanticismo de la historia de amor de los dos jóvenes, como la crueldad de las escenas de guerra -háganme caso y consigan cuanto antes la banda sonora, pues es de las que merecen la pena tener en casa para poder disfrutarla-. En segundo lugar, la apabullante decoración de Aline Bonetto, quien logra recrear de forma brillante la Francia de principios de siglo, y de integrar estos fantásticos decorados tanto con los personajes del relato como con la propia historia. Y, en tercer lugar, la fotografía de Bruno Delbonnel, simplemente perfecta.

En resumidas cuentas, "Largo domingo de noviazgo" es una películas fantástica, que casi roza la perfección. Alejada del tono más cómico y chabacanero de otras propuestas de su realizador, este largometraje consigue emocionar al espectador desde su comienzo (tremenda la descripción en off que se hace de los cuatro "desaparecidos" en las trincheras bajo la lluvia), y durante todo el calvario que tiene que pasar la protagonista para conseguir averiguar qué ha pasado con su amado. Si tienen ocasión de ver esta excelente película, aprovechen la ocasión. Les aseguro que no se arrepentirán.

• MR. HYDE DICE:

¡Qué peli más guapa! Fui a verla porque me la recomendó mi padre (gran aficionado al cine francés), aunque reconozco que no tenía muchas ganas al principio. Antes, había visto "Amélie", que me pareció un coñazo de tres pares de narices, y lo cierto es que me apetecía bastante poco volver a ver algo parecido de los que habían hecho esta otra peli. Pero aún me alegro de haberle hecho caso, porque "Largo domingo de noviazgo" es una peli cojonuda. No es el típico pastelorro de los dos amantes separados por la crueldad de la guerra, ni es otra película más sobre los desastres provocados por la Primera Guerra Mundial. En realidad, la peli va mucho más allá, desarrollando una buena historia de intriga y enseñando escenas que dejan con la boca abierta de par en par.

La actriz Audrey Tatou deja de lado las caras esas raras que ponía en "Amélie" y se mete de lleno en el papel de joven coja y sin novio, que está dispuesta a hacer e ir donde sea con tal de averiguar qué le ha pasado a su novio, ya que no se traga que haya muerto. Y es ese viaje en el que le acompañamos todos, escuchando las narraciones de las personas con las que se encuentra y que, poco a poco le acercan a la verdad acerca del pobre Mathieu.

Visualmente, la peli es impresionante. La secuencia del dirigible lleno de propano (o lo que sea) que está guardado dentro de un hospital, y las consecuencias que tiene un bombardeo te dejan clavado al asiento como no te puedes imaginar, al igual que el asesinato de uno de los militares que ordena el ataque a las tropas enemigas, en manos de la novia de uno de los jóvenes desaparecidos a la que interpreta Marion Cotillard (esa escena de los trozos de espejo rotos cayendo sobre el militar gordo y asqueroso son flipantes).

Quienes la hayan visto, seguro que tienen ganas de volverla a ver al recordar las impresiones que sacaron cuando lo hicieron por primera vez. Y quienes no la hayan visto aún, que no se dejen contar el final por nada del mundo. Os lo digo en serio, no seáis bobos, que si os cagan el final la peli pierde parte muy importante de su encanto. Y esto os lo dice alguien que pasaba olímpicamente de verla y ahora la defiende con uñas y dientes. Así que ya sabéis, no seáis tan tontos como yo y vedla porque es de las que luego se acaba recordando.

ESTRENOS DE VIDEOCLUB: "RED"

TÍTULO: RED

DIRECTOR: ROBERT SCHWENTKE

REPARTO: BRUCE WILLIS, MORGAN FREEMAN, JOHN MALCOVICH, HELEN MIRREN, MARY-LOUISE PARKER, KARL URBAN

DURACIÓN: 107 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: AVENTURAS / ACCIÓN

• EL DR. JECKYLL DICE:

En el año 2000, Clint Eastwood dirigió y protagonizó "Space cowboys - Space cowboys, 2000", una entretenida cinta donde su mayor atractivo era la diversión que desprendía ver a unas viejas glorias del mundo del espacio volver a entrenarse como astronautas mucho más jóvenes y preparados, con el objetivo de cumplir con una complicada misión. "Red" sigue más o menos el mismo camino, si bien aquí las piruetas espaciales del film de Eastwood son sustituidas por una trama de espionaje, con las correspondientes dosis de acción propias de este tipo de películas.

"Red", que son las siglas de Red de Espías Desactivados, comienza presentándonos al agente de la CIA retirado Freank Moses (Willis), quien se está enamorado de una mujer a la que nunca ha visto, pero con la que intercambia frecuentemente sus inquietudes por teléfono con motivo del pago de su pensión (Parker). Un buen día, un grupo de agentes especiales intenta acabar infructuosamente con su vida en un espectacular ataque a su vivienda. Es entonces cuando Moses empieza a buscar por todo el país a su antiguo equipo de colaboradores (Freeman, Malcovich y Mirren), con el fin de averiguar quién y por qué está tratando de hacerlos "desaparecer".

Tras un atípico comienzo en el que ya se deja claro que el espía al que da vida un divertido Bruce Willis se encuentra alejado del servicio activo, el espectador ya puede intuir que el tono de comedia de la cinta no es algo casual, sino que va a acabar dominando el resto del largometraje, tanto en las estupendas escenas de acción (Willis bajándose de su coche como si fuera lo más normal del mundo mientras éste da vueltas sobre sí mismo y él no para de disparar a otro coche que lo persigue, o Malcovich enfrentándose a una espía armada con un lanzamisiles en el aeropuerto como si se tratara de un duelo del Salvaje Oeste), como en los chistes referidos a la edad y condición física de los personajes (impagable la escena de Morgan Freeman quejándose de cómo la guerra de Vietnam fue más sencilla que la supervivencia en el asilo en el que está ahora internado).

En fin, que sin resultar un decepcionante largometraje de acción, "Red" consigue que el espectador simpatice al instante con los personajes, y que se deje llevar por el entretenimiento de una trama lo sificientemente bien urdida como para hacer creíble la tremenda química existente entre este curioso grupo de jubilados en plena forma. No se trata de una película excepcional, ni mucho menos, pero tampoco pretende ser más que un pasatiempo simpático y algo más original que el resto de el resto de propuestas similares pero fallidas. En resumidas cuentas, para pasar distraido un poco menos de dos horas.

• MR. HYDE DICE:

Para mí que, cuando los productores de la peli quisieron hacer "Red", primero, metieron en una coctelera todos los capítulos habidos y por haber de Tex Avery, luego añadieron algún que otro cartoon de Bugs Bunny y sus amigos y, por último, metieron un refrito de pelis tipo "Jugla de cristal" y demás. Y, tachán, el resultado ha sido "Red".

Esta peli no sabes si tomártela en serio, o pensar que es como una broma enorme que se coñea sin cortartse un pelo de las películas de acción y de agentes secretos que llevamos viendo desde hace años. Es más, al propio Bruce Willis, sólo le falta soltar su típico Yipikayei, hijoputa para dejar claro del todo que se está cachondeando de las pelis de acción que le han encumbrado como uno de los grandes a la hora de apretar el gatillo. Así, a bote pronto, podría parecer que "Red" es como una versión en plan espía de las películas del tipo "Agárralo como puedas". Pero lo que raya de "Red" es precisamente que tampoco pretende ser una mera burla del resto de películas de acción, sino que la comedia está lo suficientemente bien repartida como para que la peli resulte entretenida. Y eso es lo que te deja un poco parado, en plan "de qué puñetas va esto".

No es que "Red" sea un despelote de película desde que empieza (de hecho, tiene su lógica como una película de acción y agentes secretos como cualquier otra), pero a medida que se van sumando al grupo de agentes retirados John Malcovich -que en la peli el tío está como una regadera- y Helen Mirren -te preguntas qué cojones hace su Real Majestad en una peli como ésta- pues el tono se pone de un cachondo que te cisclas. Por suerte, está por medio Morgan Freeman para poner un poco de seriedad al asunto, a pesar de participar también en las bromas, pero aportando un toque de distinción al conjunto, y reforzar el extraño buen rollo que hay entre todos los "abuelos" en acción.

Dentro de las propuestas de videoclub que se han estrenado esta semana, "Red" es una distracción entretenida, sin más propósito que el de resultar simpática y hacer que te lo pases bien un rato. Y luego, como los pañuelos de papel: una vez usado, lo tiras y te olvidas de ello.

CINE EN CARTEL: "INSIDIOUS"

TÍTULO: INSIDIOUS

DIRECTOR: JAMES WAN

REPARTO: PATRICK WILSON, ROSE BYRNE, BARBARA HERSHEY, LYN SHAVE

DURACIÓN: 99 min.

AÑO: 2011

GÉNERO: TERROR

• EL DR. JECKYLL DICE:

Parece ser que, en Hollywood, la crisis se nota del mismo modo que en el resto del mundo. Desde el punto de vista empresarial, las grandes productoras llevan un tiempo haciendo grandes esfuerzos por controlar al máximo los presupuestos de sus largometrajes, de forma que si hay forma de ahorrar un sólo dólar, éste no sea gastado. Por este motivo, cuando una película rodada con un presupuesto paupérrimo (1 millón de euros -en comparación, para que se hagan una idea, la última entrega de "Torrente" costó cerca de 10 millones de euros-) acaba recaudando, sólo en el mercado local, más de treinta veces lo que había costado, ésta se convierte casi al instante en un auténtico fenómeno. Ahora bien, ¿es esto sinónimo de buena película? ¿Merece en realidad la atención que ha acaparado? ¿Vale la pena acudir al cine más cercano en el que la pongan para verla? Pues las respuestas son "no", "un poco" y "definitivamente, no". Pero vayamos por partes.

Tras un perturbador y muy sugerente comienzo, vemos cómo la familia Lambert, compuesta por el matrimonio Renee y Josh (Byrne y Wilson, respectivamente) y sus tres hijos, se instalan en una nueva y enorme casa de un tranquilo y típico barrio residencial estadounidense. Al poco de instalarse, su hijo mayor, queda misteriosamente en coma. Desesperados por el inesperado estado de su hijo, y aterrorizados por extraños ruidos y aparentes presencias en su hogar, los Lambert deciden mudarse a un nuevo hogar, alejado de las malas vibraciones que les producía su anterior morada. Sin embargo, al instalarse en la siguiente casa, descubren que se vuelven a repetir las angustiosas y misteriosas apariencias, las cuáles les llevan a pensar que tal vez el problema no sea lo que le sucede a la casa... sino a su propio hijo.

Retomando las preguntas a las que antes respondía brevemente, tal y como afirmaba, que una película haya sido capaz de rodarse con un presupuesto tan irrisorio, es motivo de alabanza y admiración, especialmente por aquellos que, con partidas millonarias asignadas para el rodaje de una película, acaban realizando patochadas de feria de lo más lamentable. No obstante, que una película haya contado con un presupuesto tan reducido no siempre se traduce en una notable calidad del producto. En el caso de "Insidious", durante la primera hora de largometraje sí se tiene la sensación de que sus responsables han echado toda la carne en el asador, utilizando todo su talento para hacer de una película de misterio una obra de auténtica angustia e suspense.

Por desgracia, esa sensación se esfuma conforme la película va llegando a su fin, cuando se acumulan cuantos más tópicos imposible del cine cutre de terror que ya se ha hecho en infinidad de ocasiones anteriores. Esto no deja de ser una lástima, sobretodo si se tiene en cuenta que detrás de las cámaras se encuentra el mismo director que dejó a medio mundo de piedra con la primera parte de "Saw - Saw, 2004" (de las otras continuaciones, mejor olvidarse), aunque se acaba comprendiendo mejor cuando, en el poster promocional de la película, también se indica que parte de sus productores son los mismos que de "Paranormal activity - Paranormal activity, 2009" (una gansada que estoy seguro que Hyde disfrutaría haciendo papilla).

En resumidas cuentas, "Insidious" acaba siendo más una película de sustos (muy bien dosificados, todo haya que decirlo) que de terror, haciendo que en su último y ridículo tercio, se pierda por completo la garra que había ido acumulando en su principio, y provocando que los aparentes sustos más que miedo provoquen la indiferencia o, aún peor, la risa. Háganme caso y, si la alternativa en la cartelera de este fin de semana es otra, decídanse por estas alternativas o, en su defecto, por irse de cena con sus amigos. Acabarán pasándoselo igual de bien y sin la sensación de haber tirado parte de su dinero.

• MR. HYDE DICE:

A ver, "Insidious" tiene dos mitades: la primera, es una pasada. La segunda, una cagada como un pino. La peli empieza de puta madre, con las letras de presentación más inquietantes que recuerdo haber visto en una película en toda mi vida, con esas instantáneas casi a oscuras de una casa, que hacen que un lugar de recreo como un simple cuarto de juguetes te de canguelo. A partir de ahí, y hasta un poquito pasada la mitad de la película, la cosa promete, gracias a cómo se sugiere que ando raro está pasando en la casa de turno y con el crío (¿por qué todos los niños de las pelis de miedo tienen cara de tarados?), más que decantarse por mostrar. Ahora bien, cuando entra en juego la vidente y ese plagio descarado de "Los otros" y "El orfanato", mezclado con unos toques de Freddy Krugger, la cosa se va a la mierda de forma inevitable.

Y digo yo, ¿qué les costará dejarse de mamonadas paranormales tan enrevesadas? Además, ¿es que no se dan cuenta de que te acaban contando la misma santa historia una y otra vez? Señores, ustedes, los yanquis, hacen un cine de cojones de entretenido y, en muchas ocasiones, además bueno. Así que no me irán a decir que no saben de sobra cuándo una peli se acaba convirtiendo en un refrito de otras catorce parecidas. O, lo que es peor, empezar una peli de maravilla y no ser capaz de mantener ese mismo tono, sino acabar decantándose por lo fácil, cutre y más visto que las lolas de la Pamela Anderson. El mismo director, el Wan este, supo cómo ponerle nivel a una película tan agobiante como "Saw" (me refiero a la primera, no a esas pajas gore que son el resto de las continuaciones). Entonces, ¿por qué no ha seguido por ese mismo camino?

En fin, de todas formas, se agradece que "Insidious" no es para nada una película aburrida. Ya digo que esa sensación de inquietud -casi concentrada en tratar de adivinar por dónde te van a dar el susto para que pegues un buen brinco- es continua a lo largo de casi toda la peli. Lo malo es que, aparte de la típica sorpresa final (y que, dicho sea de paso, está muy pillada por los pelos), es en su última parte cuando, en vez de seguir apostando por lo original que iba distinguiéndola de otras pelis parecidas, acaba cayendo en las mismas chorradas de mundos de muertos y soplapolleces del mismo estilo. Una lástima, prometiendo como prometía durante su primera hora.

CINE ACTUAL: "THE BLIND SIDE (UN SUEÑO POSIBLE)"

TÍTULO: THE BLIND SIDE (UN SUEÑO POSIBLE)

DIRECTOR: JOHN LEE HANCOCK

REPARTO: SANDRA BULLOCK, TIM MCGRAW, QUINTON AARON, KATHY BATES

DURACIÓN: 125 min.

AÑO: 2009

GÉNERO: DRAMA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Presentada como la película definitiva para que Sandra Bullock obtuviera, por fin, el reconocimiento de la crítica, "The blind side (un sueño posible)" aterrizó en las carteleras estadounidenses a lo largo de 2009 como un torbellino, rentabilizando al instante los escasos 30 millones de dólares que había costado, y multiplicándolos por diez a lo largo del mundo. Ahora bien, lo que no se dice siempre es que, de esta astronómica cantidad, la inmensa mayoría pertenece a lo recaudado en territorio nacional, donde las historias de superación y alcance del sueño americano les gusta -y mucho- al público de aquellos lares. En el resto del mundo, como suele ser normal con este tipo de producciones, pasó más bien desapercibida.

La historia -basada en la novela de Michael Lewis, al parecer inspirada, a su vez, en acontecimientos reales- se centra en cómo la familia Tuohy, compuesta por los patriarcas (Bullock y McGraw) y sus dos hijos se hizo cargo de Quinton Oher (Aaron) un muchacho de raza negra, casi indigente y enormemente grande, al que habían rechazado en casi todas las familias de acogida con las que había estado, así como de su propia madre, una drogadicta con casi tantos hijos como ingresos en clínicas de desintoxicación. Con la perseverancia de la familia Tuohy, no sólo logró graduarse en el instituto, sino también acabar convirtiéndose en un miembro más de la familia, y uno de los mejores jugadores de la NFL americana.

El largometraje, a pesar de centrarse en la figura del sueño alcanzado por Oher, no puede evitar querer centrarse en la figura de Leigh Ann Touhy, a la que da vida una enérgica Bullock. El largometraje, a lo largo de más de dos horas, se empeña en enseñarle al espectador lo rompedor que fueron las decisiones tomadas por la familia Tuohy en la sociedad clasista e hipócrita en la que se movían las familias bien del momento (como los Tuohy), y en cómo se criticó el hecho de que una familia acomodada diera auténtico ejemplo de generosidad y altruismo para acoger a un pobre muchacho al que ni su madre quería, con el fin de darle una oportunidad que, de no ser por ellos, jamás habría tenido.

Ahora bien, que las intenciones del film dirigido por el afortunado John Lee Hancock (lo de afortunado viene a cuento de que él fue el responsable de uno de los fracasos cinematográficos más sonados de la pasada época -el remake de "El álamo"- y, con esa película, logró no sólo demostrar su comercialidad, sino recuperar parte de ese prestigio perdido), por desgracia, no acaban de ser suficientes para que "The blind side (un sueño posible)" consiga emocionar a todos los espectadores por igual. Prueba de ello es el escaso atractivo que ha supuesto para el mercado internacional en comparación con la forma de arrasar en la cartelera nacional.

Como digo, resulta bastante cansino el empeño en demostrar que casi no hay más santos en el mundo que la familia Tuohy, estereotipada hasta la médula (el padre trabajador -aunque nunca se le ve haciendo tal cosa-, la mujer ama de casa y fuerza incansable de la familia, y los hijos perfectos con sonrisa perfecta y tremendamente populares en el instituto. Personalmente, alabo que se haya tenido la valentía de reconocer el esfuerzo hecho por una familia así, pero ni todo es blanco ni negro. Y la película de Hancock, se pasa de la raya en lo que a resaltar las virtudes de la bondad se refiere.

Por lo demás, pues unas interpretaciones ajustadas a sus respectivos papeles (aunque una Bullock un poco más sonriente hubiera sido de agradecer), haciendo especial reseña en la actuación del joven Quinton Aaron, que casi acaba por comerse a Sandra Bullock. En cuanto a los aspectos técnicos, por desgracia, la película no resalta demasiado, siendo una más del montón en cuanto a fotografía, montaje y demás (de hecho, veinte minutos menos de metraje, hubieran podido hacer maravillas). En fin, que se deja ver, pero para nada se trata de una película imprescindible.

• MR HYDE DICE:

Pues a mí me pareció un petardo. De esa clase de película que, cuando acaba, piensas "vale, ya la he visto para el resto de mi vida". Y no porque sea mala (que no lo es), o porque sea previsible y ñoña (que lo es a saco), sino porque parece hecha a medida del gusto del público norteamericano. Esas ansias de grandeza de los protagonistas por jugar al fútbol, el ansia de las becas deportivas para la universidad, las comidas de acción de gracias y toda esa parafernalia, seguro que hace que se les caiga la baba a los yanquis, pero lo que es a los de por aquí, pues me temo que todo eso nos parece un coñazo de aúpa.

De todas formas, se agradece comprobar que Sandra Bullock sabe hacer algo más que poner carita de no haber roto un plato en su vida y que, al menos por una vez, demuestra ligeramente lo que es actuar. Ahora, eso sí, de ahí a darle un Oscar, hay un trecho pero que bien grande. Se ve que en la meca del cine, en cuanto ven que una de sus estrellas que están acostumbradas a protagonizar patata tras patata, de repente demuestra que sabe actuar, se les cae la baba y pierden el culo por darle todos los premios que pueden. Vamos, que como Bruce Willis deje de pegar tiros y haga una peli de esas de llorar (y si es de baseball o rugby, ya ni te cuento), y te lo ves ganando un Oscar dentro de dos días.

En fin, que "The blind side (un sueño posible)" no es de las que merezca la pena estarse dos horas (de las que sí se notan) viéndola. Si da la casualidad de que la pasan por la tele y no te puedes dormir, pues te la ves tan ricamente. Pero, cuando estás esperando ver algo que te emocione de verdad, que se te encoja en corazón con una peli que ha costado cuatro duros y que ha recaudado un huevo en los EEUU, pues como que no, que mejor te veas un episodio de Heidi, que tiene más emoción.

De todas formas, no quisiera que os pensarais que "The blind side (un sueño posible)" es una mierda. De hecho, sabéis que cuando pienso que una peli es un truño os lo digo sin cortarme. Este no es el caso. Simplemente, es que no me interesan las garruladas de los primos del otro lado del charco, con ese patriotismo de andar por casa y la sonrisa profidén todo el rato en el careto. Ahora bien, a quien le gusten estas chufas, desde luego no se la puede perder. A mí, repito, me pareció bastante rollo.

CINE DE LOS 90: "SPEED, MÁXIMA POTENCIA"

TÍTULO: SPEED, MÁXIMA POTENCIA

DIRECTOR: JAN DE BONT

REPARTO: KEANU REEVES, DENNIS HOPPER, SANDRA BULLOCK, JEFF DANIELS, JOE MORTON

DURACIÓN: 124 min.

AÑO: 1994

GÉNERO: ACCIÓN

• EL DR. JECYLL DICE:

Cuando se estaba alcanzando el meridiano de los años 90, el panorama cinematográfico de cine de aventuras y acción se encontraba casi del todo encasillado. Películas que habían propuesto un nuevo formato a la hora de narrar las peripecias de un héroe solitario enfrentándose a un montón de villanos, ya habían sido copiadas hasta la saciedad, de las formas más descaradas y absurdas posibles. Así pues, el disparo de salida que marcaron en la década anterior excelentes películas de policíacas y de acción como "Arma letal - Lethal weapon, 1987" o "Jungla de cristal - Die hard, 1988", ya no sorprendía a un público que pedía a gritos una renovación del género (algo similar a lo que ocurrió, también en los 90, con la ciencia ficción y la trilogía de "Matrix"). Por este motivo, cuando en verano de 1994 se estrenó "Speed", ésta fue recibida como el soplo de aire fresco con el que los aficionados al género ansiaban reencontrarse.

Consciente de sus limitaciones como largometraje, "Speed" representa un ejemplo estupendo de película de acción muy bien hecha, trepidante desde el primer minuto hasta el último, con un ritmo incansable que engancha al espectador durante dos horas en que la constante acción de la película se asemeja a una auténtica montaña rusa en la que no hay freno de emergencia que valga -y perdón por este chiste tan malo-. En el ámbito artístico, "Speed" supuso la consagración para, al menos, tres personas: su director, el holandés Jan de Bont, su protagonista principal Keanu Reeves, y su estrella femenina Sandra Bullock. Pero antes comentemos un poco su argumento.

Howard Payne (Hopper) es un peligroso terrorista que, tras fracasar en un intento de chantaje al gobierno a través de una bomba en un ascensor público, desafía al agente de policía que impidió tal tragedia, Jack Traven (Reeves) a salir airoso de su siguiente golpe: ha colocado una bomba en un autobús de línea, la cuál se activará si el bus supera los ochenta kilómetros por hora, y detonará si baja de tal velocidad. En una carrera contrarreloj, y de las formas más trepidantes e imposibles, Traven deberá tanto impedir que explosione el artefacto y, por tanto, matando a todos los pasajeros, entre los que se encuentra una improvisada conductora (Bullock), y dar caza al malvado terrorista.

Jan de Bont, que hasta ese momento era conocido por sus impecables trabajos como director de fotografía de grandes producciones como "Instinto básico - Basic instinct, 1992", "La caza del octubre rojo - The hunt for Red October, 1990", o "Black rain - Black rain, 1989", al lado de directores como John McTiernan, Richard Donner, Paul Verhoeven o Joel Schumacher, debutó con "Speed" en las labores de director. Parecía lógico pensar que, tras su experiencia en un cine de género similar con los realizadores antes mencionados, sería en este terreno en el que parecía sentirse cómodo para comenzar su carrera como director. Lo que pocos podían esperar, es que este comienzo se realizara de una forma tan efectiva y acertada.

Por su parte, Keanu Reeves y Sandra Bullock supieron demostrar estar a la altura de las piruetas automovilísiticas que presentaba la película para demostrar que podía cargar con el peso de una película de acción él solo (el primero), y que podía representar con una facilidad asombrosa el papel de chica corriente y simpática propia de las comedias más tradicionales de Julia Roberts o Meg Ryan (la segunda). Eso sí, aunque "Speed" representó su ocasión de oro para dejar constancia de su valía dentro de la industria hollywoodiense, en la película que nos ocupa tampoco tuvieron ocasión de demostrar su potencial actorial, ya que las increíbles persecuciones que ocupaban el total de la película se lo impedían de forma casi absoluta.

Vista hoy en día, "Speed" es capaz de rescatar las emociones de la primera vez. Secuencias como el rescate de los rehenes del ascensor con la grúa dejan clavado al espectador desde los primeros minutos de película (tremenda la entrada en plano de Reeves y Daniels a bordo de su coche), así como el momento en que Traven tiene que subir al autobús en marcha, o meterse debajo de él para tratar de desactivar la bomba (el plano del autobús saltando una brecha merece capítulo aparte). Sobre estas secuencias en particular, me remito a lo que acabo de decir: la tensión es máxima y el ritmo trepidante a más no poder. Por último, la guinda del "no se vayan todavía que aún falta más" lo pone la caza final del terrorista dentro del metro, y las destrozonas consecuencias que ello tiene. Desde luego, no cuesta en absoluto creer que se alzara con los Oscar correspondientes al mejor sonido y montaje de efectos sonoros, y que mereciera una más que justa candidatura en el apartado de mejor montaje.

Como ya hemos dicho, "Speed", dentro de sus limitaciones, es una película estupenda a la que se le deben reconocer sus logros. No estaría mal que el cine de acción se renovara de vez en cuando como sucedió con este largometraje.

• MR. HYDE DICE:

Una pasada. Flipante. Brutal. Como más os apetezca decirlo. "Speed" es una caña de peli desde que empieza hasta que salen las letras del final. Te deja clavado al asiento y no pestañeas durante dos horas. Y vale que ahora me venga el típico remilgado diciendo que si la historia es imposible, que si es previsible, que si sólo se trata de una película de acción y bla bla bla. Pues no señores, "Speed" una gozada, y no me importa decirlo tal cuál. Partiendo de un argumento que se puede resumir en media página, acojona ver el partido que le han sabido sacar, y cómo han tenido una capacidad que quita el hipo para hacer que la acción pase de un ascensor a la persecución de un autobús en marcha, de un autobús arremetiendo con todo lo que pilla a un aeropuerto donde lo tratan de evacuar y detener, y de este aeropuerto a un vagón de metro que acaba descarrilando. ¡Joer, macho, que esto es la leche en bote!

El año pasado, recuerdo que se estrenó una peli de temática parecida, "Imparable - Unstoppable, 2010", que tal vez alguno de vosotros pueda recordar. Bueno, pues ésta es una caquita de gorrión en comparación con "Speed", prueba de que no es necesario gastarse un cataplín en montar fuegos de artificio más sofisticados ya que, en comparación, "Speed" se hizo con mucha menos pasta y dejó flipada a la gente.

Sé de buena tinta que, no hace mucho, han salido nuevas versiones más completas de la peli en DVD y Bluray, así que os recomiendo que os procuréis una de esas copias, os preparéis un buen bol de palomitas en el salón de vuestra casa, y os los paséis de puta madre un rato. Yo, desde luego, ya lo he hecho, y estoy dispuesto a repetirlo todavía unas cuantas veces más. ¿Alguien se apunta?

CINE DE LOS 80: "DIRTY DANCING"

TÍTULO: DIRTY DANCING

DIRECTOR: EMILE ANDROLINO

REPARTO: PATRICK SWAYZE, JENNIFER GREY, CYNTHIA RHODES, JERRY ORBACH

DURACIÓN: 95 min.

AÑO: 1987

GÉNERO: COMEDIA ROMÁNTICA / MUSICAL

• EL DR. JECKYLL DICE:

Estrenada a finales de la década de los 80, "Dirty dancing" tiene en su haber el ser una de las pequeñas películas, casi con producción independiente, que consiguieron amasar una auténtica fortuna en todo el mundo, lo que acabó conviertiéndola en uno de los largometrajes más rentables de la historia, junto con "La noche de Halloween - Halloween, 1978", "Mad Max - Mad Max, 1979" o "El proyecto de la bruja de Blair - The Bair Witch Project, 1999", a tenor de los 6 millones de dólares que costó, y los más de 230 de recaudación mundial que logró recaudar. Así pues, ¿cuál es el secreto de tal desconumal éxito? ¿La historia? ¿Sus actores protagonistas? En realidad, un poco de todo.

El guión de Eleanor Bergstein, sin ser nada extremadamente original, narra la llegada a un resort vacacional estadounidense de Baby (Grey), con su hermana y padres. Baby es una "niña bien" cuya monótona forma de ser contrasta con la vivacidad y descaro de uno de los profesores de baile del complejo, Johnny Castle (Swayze), de la que ésta queda perdidamente enamorada. No obstante, ante la pasividad de Johnny, Baby se acaba apuntando a varias de las clases de baile que éste da y, cuando por una serie de circunstancias, la pareja de baile de Johnny queda indispuesta, Baby se ofrece para ser la nueva pareja con la que ambos puedan bailar en la función que tendrá lugar al final de las vacaciones. Será durante estos ensayos y momentos que ambos pasen juntos cuando Baby descubrirá que Johnny no es tan duro como aparenta, y él que Baby es mucho más que una aparente chica remilgada y reprimida.

Es indudable reconocerle el atractivo que tienen las historias en que dos personajes con personalidad totalmente opuestas en un principio, acaben haciendo frente a un montón de prejuicios propios y ajenos con tal de demostrar que, en el fondo, están hechos el uno para el otro. Y ese es una de las claves más efectivas del extraordinario éxito de "Dirty dancing". Además de ello, se encuentra el gran acierto de enclavar la historia en el mundo del baile "moderno", de forma que las cuidadas coreografías y la música bien seleccionada contribuyen a hacer mucho más atractivo todo este conjunto.

Asimismo, supuso la consagración, al menos momentánea, de sus principales protagonistas. Por un lado, Jennifer Grey, que se había revelado unos antes como estrella debutante con la violenta "Amanecer rojo - Red dawn, 1984" (en la que, curiosamente, compartió cartel con Swayze) mientras que, por su parte, el malogrado Patrick Swayze ya formaba parte del rat pack que Francis Ford Coppola había contribuido a crear unos años antes con "Rebeldes - Outsiders, 1983", y estaba a punto de saltar al estrellato con "Ghost, más allá del amor - Ghost, 1990" y la cinta de acción "Le llaman Bodhi - Point break, 1991".

Por último, cabe reconocerle una parte muy importante del éxito a la famosísima canción estrella de la película, ganadora del Globo de Oro y del Oscar, que hoy en día sigue siendo una referencia total del cine "de baile", e inseparable referencia de esta película.

Así pues, "Disrty dancing", a pesar del tiempo, no deja de ser una película correcta, bien contada y con unas interpretaciones de lo más ajustadas a la descripción de unos personajes y situaciones ya reflejadas en montones de películas anteriores (y posteriores) pero, no por ello, carentes de interés. Y, si además, la historia se cuenta a ritmo de buena música y con cuidadas secuencias de baile, pues mejor que mejor.

• MR. HYDE DICE:

Lo que son las modas... Os propongo un juego a quienes tengáis ahora mismo entre trece y dieciocho años, más o menos (los demás también podéis jugar, pero puede que andéis un poco más perdidos): cerrad los ojos e imaginad una historia en la que una niña bien, pija como ella sola y que ha vivido siempre al amparo de sus sobreprotegedores padres, de repente, se enamora del típico chico rebelde que van de malote por la vida; ahora seguid imaginando que, por una serie de circunstancias, ambos acaban coincidiendo en un determinado momento que les obliga a compartir algo de tiempo juntos; seguid dándole al coco y pensad qué pasaría si veis que la pobre pijilla se queda colada a muerte por el tipo duro y que, éste, a pesar de lo duro que es, empieza a abrirle su corazoncito hasta que, en mitad de un montón de gente, le proclama su amor a la chica y que a sus padres, que están flipando en colores, no les queda otra que resignarse y ver cómo los dos se quedan más chochos que un tonto con un lápiz, mirándose con carita de estar más enamorados que todos los osos amorosos el día de San Valentín. Vale, ahora viene la pregunta, ¿listos? ¿¿De qué película estoy hablando?? Así a bote pronto, el sector demográfico al que le proponía la adivinanza diría casi sin pensárselo que "A dos metros sobre el cielo", y no les faltaría razón (¡hasta el nombre del personaje de la chica es el mismo!). Pero, ahora bien, si os digo que en lugar de mascachapas moteros amantes del pumba-pumba de las discotecas, los protagonistas prefieren más darle al bailoteo de toda la vida, la cosa ya cambia, ¿no?

Lo que son las cosas... Quién iba a decir que una historia más plana que el funcionamiento de un botijo acabaría por seguir enganchando a las audiencias de medio mundo. Sólo le hacía falta un lavadito de cara, una actualización más o menos decente, y hala, a venderse de nuevo como rosquillas. Por fortuna, "Dirty dancing" aterrizó hace ya más de veinte años y supuso una clara demostración de que este tipo de historias, contada ya hasta la saciedad, y que se contarán de nuevo mucho más, nunca ha dejado de tener tirón. Y os lo digo yo, que en su momento no voy a negar que me hubiera gustado pegar el brinco de Patrick Swayze al final de la peli, mientras la gachí de turno me pusiera ojitos desde el escenario. Claro, que eso por no hablar de cómo babearon las adolescentes de medio mundo con el Swayze moviendo las caderas y diciéndole a la pavisosa de la chica: "Baby, no permitiré que nadie te arrincone". Va, la que no me diga que los ojos no le hicieron chirivitas con esa secuencia es que no ha tenido infancia.

Vista a día de hoy, por fortuna, si bien el planteamiento de la historia puede parecer algo defasado -algo totalmente comprensible, habida en cuenta que estamos hablando de una peli de finales de los 80-, lo cierto es que no se ha quedado tan anticuada como se podría imaginar. Ya he dicho antes que la historia que cuenta es de ese tipo que no pasa de moda, así que la puedes volver a ver tranquilamente en tu casa sin miedo a que, de repente, te parezca una cutrada, víctima del pasar de los años y las modas.

Además, también es agradable poder ver a alguien como el pobre Patrick Swayze, quien conseguía caer simpático con sus personajes, algo limitados, pero que lograba transmitir esa complicidad de la que carecía la otra sosa con la que se pegaba los bailoteos. Lástima que, por aquel entonces, la típica Jennifer Lopez no estuviera ya por ahí. No es que sea mejor actriz (de hecho, le falta bastante para eso a la latina culona), pero sí que está más buena -mis disculpas por si suena algo machista-, y es más guapa. Al fin y al cabo, nos tenemos que poder creer que la tiparraca consigue hacer que el futuro Bodhi perdiera el culo por ella, cosa que requiere de algo de imaginación.

Pero bueno, por lo demás, "Dirty daning" sigue siendo una película simpática , tanto para volver a ver como para descubrir por primera vez. Eso sí, ahorraros el tiempo de ver esa segunda parte que se hizo hace unos años, "Dirty dancing: Havana nights", con la que la original no tiene nada que ver (aparte de un cameo inesperado de Patrick Swayze), y que es más de lo mismo, pero sin el encanto que tenía la peli del 87.

CINE CLÁSICO: "EL PADRINO"

TÍTULO: EL PADRINO

DIRECTOR: FRANCIS FORD COPPOLA

REPARTO: MARLON BRANDO, JAMES CAAN, AL PACINO, TALIA SHIRE, ROBERT DUVALL, DIANE KEATON

DURACIÓN: 175 min.

AÑO: 1972

GÉNERO: DRAMA ÉPICO / POLICIACO

• EL DR. JECKYLL DICE:

Cuando, a principio de los años 70, Francis Coppola se propuso adaptar la novela de Mario Puzo "El padrino", lejos estaba el cineasta de imaginar la repercusión que su película acabaría teniendo en la historia del cine. Con a penas un puñado escaso de largometrajes realizados anteriormente y de poca repercusión, Coppola propuso al todopoderoso productor cinematográfico de la época Robert Evans, que la Paramount produjera la adaptación de una novela de temática gangsteril que había permanecido repetidas semanas entre los más vendidos.

Pero el rodaje de la película no fue tarea fácil. De entrada, se encontró con la complejidad de reducir a una duración aceptable por el estudio la extensa novela de Puzo, que retrataba con una exactitud asombrosa el funcionamiento de las "familias" mafiosas del Nueva York de mediados del siglo pasado. En segundo lugar, conseguir un casting que estuviera a la altura del proyecto. Y, en tercer lugar, rodar la historia de forma que consiguiera atraer a cuanto más público mejor a las salas de cine. "El padrino" logró con creces los tres objetivos.

El comienzo de la saga da inicio cuando se reune toda la familia Corleone (una de las "familias" mafiosas más importante de Norteamérica), con motivo de la boda de Kaye (Shire), la única hija de Voto Corleone (Brando). Tras el enlace, el resto de familias proponen a Don Corleone participar en el creciente negocio de las drogas, con el fin de poder aumentar sus ya cuantiosos ingresos, ya que se trata de un mercado en alza y en plena expansión. Como éste se niega, el resto de "familias" inician una cruel guerra de bandos en la que quedan completamente involucrados el resto de los hijos del Don, entre ellos, Michael (Pacino) y su primogénito, Sonny (Caan).

"El padrino" (así como su primera continuación) es la película definitiva sobre el mundo de la mafia. Hasta el momento de su estreno, no se había hecho nunca antes una película similar. Y, desde su estreno, tampoco se ha vuelto a estrenar una película que alcance el grado de detalle y perfección en cada uno de sus aspectos como sucedió con ésta. Se trata de una obra maestra con mayúsculas, insuperable, magnífica y calculada a la perfección para que los elementos que la componen se encuentren muy bien dosificados a lo largo de su extenso metraje.

Además de formar parte de las diez mejores películas del mundo (según el Instituto Americano de Cinematografía -desconozco el nombre exacto de este organismo-), la influencia que ha tenido desde su estreno ha sido total. Las secuencias míticas y frases antológicas se pueden contar por decenas, y la interpretación de Marlon Brando es digna de todos los elogios habidos y por haber. Quizás se pueda criticar levemente la larga duración de la película, o que haga gala de una escenificación un tanto clásica para los tiempos actuales. Pero se trata, sin embargo, de pequeños detalles incapaces de arruinar una auténtica maravilla de película como es ésta. Para levantarse, quitarse el sombrero y descubrirse ante el talento que fue capaz de crear algo así.

• MR. HYDE DICE:

Genial por donde se mire. ¡Qué análisis tan brutal de las entrañas de la mafia! El de arriba dice que hay a quien le puede parecer un poco larga... Je, eso deberían decírselo al que tuvo los santos cojones de cascarse casi cuatro horas de enanos recorriendo montañas para deshacerse de un puto anillo. ¡Ahí sí que se notan las tres horitas! Pero, en el caso de "El padrino", es arte cada uno de sus planos. La fotografía de Gordon Willis (el que no haya visto "Manhattan - Manhattan, 1979" de Woody Allen) es admirable en cada plano (por ejemplo, al comienzo, con la iluminación y la alegría de la boda, y cómo contrasta con la seriedad del interior del despacho donde el Don recibe a sus "visitas"), la música de Nino Rota insuperable (tanto en el famoso tema Speak softly love -himno por huevos de cualquier referencia mafiosa que se precie-, como en el resto de la banda sonora), y las actuaciones ya de que te rilas.

Sé que debería explayarme un poco más al hablar de una de las películas más grandes de todos los tiempos pero es que, tal vez sea por eso mismo, me esté quedando casi sin palabras. Esta película es obligatoria para todo quisque, ya la quieras ver con tu pareja, con tus amigos, solo, en una noche que te estés aburriendo o, simplemente, porque quieres ver una de las obras maestras definitivas del cine.

La segunda parte (algún día tocará comentarla) también está a la altura, aunque cuenta con la desventaja de contar con el monumental éxito de la predecesora y, la tercera, aunque no está mal, se queda a años luz de la primera peli. La lástima es que Coppola, que después de los dos primeros "padrinos" hizo otra peli que quita el hipo -me estoy refiriendo a "Apocalipsis now - Apocalypse now, 1979, luego haya acabado haciendo mierdas como pianos. Porque vamos, poner en un mismo currículum la saga de "El padrino" junto a "Jack - Jack, 1996" o "Peggy Sue se casó - Peggy Sue got married, 1986" es de tener unos huevos como una catedral. Por suerte para el amigo Francis, ya sólo haber sido capaz de regalar al mundo una maravilla como el primer "padrino" es motivo suficiente como para que se le perdonen estos "resbalones". Repito de nuevo: ¡qué pasada de película!

CINE EN CARTEL: "PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA"

TÍTULO: PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA

DIRECTOR: GUILLAUME CANET

REPARTO: FRANÇOIS CLUZET, MARION COTILLARD, JEAN DUJARDIN, BENOIT MAGIMEL, PASCALE ARBILLOT

DURACIÓN: 145 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: DRAMA

EL DR. JECKYLL DICE:

Ya hemos comentado en más de una ocasión que el caso del cine galo es sorprendente. No sólo porque la calidad de la mayoría de sus producciones sea destacable, sino porque son capaces de hacer el cine que le gusta a su público (nacional e internacional), logrando que las propuestas nacionales compitan casi en igualdad de condiciones con los blockbusters más publicitados del cine norteamericano. Y es de esta forma como ha aterrizado en los cines "Pequeñas mentiras sin importancia", una pequeña película llena de caras conocidas dentro del cine francés, en la que el realizador y actor ocasional Guillaume Canet dedica su tiempo a desmembrar los problemas de un grupo de amigos.

La historia comienza con un grave accidente de moto que sufre Ludo (Dujardin), miembro de un surtido grupo de amigos entre los que se encuentran Marie (Cotillard), Max (Cluzet) o Vincent (Magimel). Este grupo de amigos, al llegar el verano, suelen juntarse todos en una casa que Max y su mujer tienen en el sur de Francia, donde todos juntos pasan unas semanas de vacaciones. Este año, con motivo del accidente de Ludo, aunque vuelven al mismo sitio para pasar unos días de asueto, la ausencia de su amigo provoca, de forma involuntaria y totalmente inesperada, que los problemas y sentimientos que cada uno tiene acaben aflorando a la superficie, con las consecuencias emocionales y relacionales que ello tiene, tanto de forma individual como con respecto al resto.

Un argumento como éste, que podría haber servido para diseccionar el comportamiento -criticado y criticable- de más de un personaje, por desgracia, queda relegado a un segundo plano en que, las breves micro-historias que afectan a cada uno de los componentes de este abultado grupo acaban confundiendo más que emocionando. Así pues, se encuentra el problema de Max, a quien descubre que su mejor amigo se siente atraído por él, que Marie es emocionalmente inestable para mantener relaciones sentimentales duraderas, que Éric siente constantes dudas por no saber cómo reaccionar ante el abandono de su novia y, así, un largo etcétera.

Las relaciones de los grupos de amigos han sido llevadas a la gran pantalla desde múltiples perspectivas, y por los más variados cineastas. Así pues, Lawrence Kasdan llevó a la gran pantalla un planteamiento similar con "Reencuentro - The big chill, 1983", Barry Levinson con su más intimista "Diner - Diner, 1982", o el británico Kenneth Branagh con la más shakesperiana "Los amigos de Peter - Peter's friends, 1992". Sin embargo Guillaume Canet procura adentrarse más en la temática de la felicidad aparente y los falsos sentimientos reprimidos, y el tratar de aparentar ante aquellos en quienes más se confía un estado de ánimo que para nada se corresponde con la realidad.

No obstante, los esfuerzos del director francés se quedan únicamente en intento. La múltiple variedad de problemas de cada uno de los amigos del grupo acaba por restarse importancia entre ellos, de forma que al espectador acaba siéndole complicado identificarse con alguno de ellos, sentir simpatía por los más afligidos, y cómplice de los más necesitados. Admirable resulta, por otra parte, la actuación de todo su reparto, que hace muy creíbles las variadas situaciones en las que cada personaje se ve envuelto. Por desgracia, estos esfuerzos no se ven recompensados con un argumento que acaba interesando al espectador que haya acudido al cine a ver la que esperaba fuera una película sobre el refuerzo de la amistad a través de la superación de un problema común. En resumen, "Pequeñas mentiras sin importancia" se trata de un buen intento de hacer la película de la nueva década sobre el análisis de las relaciones entre amistades que se nada más se queda en un desafortunado intento. Bueno, pero intento al fin y al cabo.

• MR. HYDE DICE:

Antes de empezar con mi parte de crítica, debo dejar constancia de algo: me encanta el cine francés. No sólo porque sienta una especial predilección por el país vecino, sino porque me parece admirable que sean capaces de hace un cine que de verdad les guste y que, además de petar la taquilla, tenga cierta calidad (ya podíamos aprender nosotros a hacer algo parecido). Ahora bien, que me digan que "Pequeñas mentiras sin importancia" ha sido la película más taquillera del año, y que la han visto no sé cuántos millones de gabachos, pues lo cierto es que da bastante de qué pensar. Pero no da que pensar porque sea una mala película, sino porque es un completo aburrimiento.

En honor a la verdad, he de decir que tenía muchas ganas de verla, y que no me fue fácil convencer a mi chica para que viera conmigo una peli francesa de la que no había oído hablar. Además, la anterior peli que había visto del mismo director y actor principal, "No se lo digas a nadie - Ne le dis à personne, 2006", me había parecido de lo más entretenida, con lo que mi favor, ya de entrada, lo tenía. Pero, por desgracia, al acabar la película (dos horas y media después, que larguita es un rato, la puñetera), lo único que sentía era un chasco de no te menees. Repito, no porque sea mala, sino porque la historia no me interesó para nada. Es como asistir a las vacaciones de un grupo de personas que entre ellas podrán ser todo lo amigas que ellos quieras, pero el que está viendo la peli lo que no para de pensar es "y a mí qué". Como si tuvieras al lado al típico vecino plasta que se empeña en que tragues el vídeo de cuando se fue con sus nenes a Eurodisney y no para hasta conseguir que te sientes con él a verlo. Pues tino-tano lo mismo.

Ahora, lo que sigo sin entender es cómo esto ha podido encandilar tanto a los gabachos. En serio, si me dijeras que es otra como la de "Bienvenidos al norte - Bienvenue chez les ch'tis, 2009", pues aún lo entendería (con esta última os juro que me partí el culo, a ver si otro día la comentamos), pues podría entenderlo, pero vamos, que hayan acudido en masa a ver esto... Pues así como desconcertante sí que es. Por fortuna, tiene sus trozos más o menos interesantes, como ese en el que se quedan encayados en un banco de arena el amigo gay y el otro colega que le gusta, y el segundo acaba perdiendo el bañador en el banco de arena cuando intenta pirarse de la barca. O esa otra secuencia en la que el mismo tío revienta a martillazos una pared buscando a las comadrejas que le dan por culo por la noche sin dejarle dormir.

Sin embargo, por lo demás, ya os digo que es una peli totalmente prescindible. No merece la pena pagar en el cine por verla, ni dedicar las más de dos horas que dura la condenada para verla en casa. Eso sí, si aún así sois fans incondicionales de los colegas del país de al lado y queréis verla, pues vosotros mismos. De corazón, espero que os guste más que a mí.

CINE A DESCUBRIR: "EL RESPLANDOR"

TÍTULO: EL RESPLANDOR

DIRECTOR: STANLEY KUBRICK

REPARTO: JACK NICHOLSON, SHELLEY DUVALL, DANNY LLOYD, SCATMAN CROTHERS

DURACIÓN: 142 min.

AÑO: 1980

GÉNERO: TERROR

• EL DR. JECKYLL DICE:

Cuando, a principio de los años 80, un realizador de la talla de Stanley Kubrick, que ya contaba con varias obras entre las más selectas de la historia del cine (los escándalos de "Lolita - Lolita, 1962" y "La naranja mecánica - A clockwork orange, 1974", y el impacto visual de "2001: Una odisea en el espacio - 2001: A space odyssey, 1968"), decidió adaptar a la gran pantalla una de las más recientes novelas del maestro del terror Stephen King, tanto la crítica y el público pensaron que se trataba de un intento desesperado del genio neoyorquino de seguir en la brecha de los grandes, tras el fracaso económico que había supuesto su anterior largometraje, la prácticamente perfecta "Barry Lindon - Barry Lindon, 1975".

No obstante, como venía siendo costumbre de Kubrick, éste no veía "El resplandor" como una mera ocasión de reverdecer los laureles, sino como la oportunidad perfecta para desarrollar y mejorar una nueva técnica visual (la hoy ya famosísima steadycam), que le permitiera filmar largos planos ininterrumpidos de los actores, de forma que la cámara los pudiera seguir por los decorados, sin tener que cortar los planos para colocar la cámara en otro sitio diferente. Así pues, una de las primeras cosas que llaman la atención de "El resplandor" son, en efecto, los planos secuencia del crío con el triciclo por los interminables pasillos del hotel, donde se van encontrando con varios de los elementos más aterradores del film.

La acción comienza cuando el escritor Jack Torrance (Nicholson) acepta el puesto de guardián de un hotel de invierno en Maine que, durante los meses de invierno, permanece cerrado al público pero que, para poder mantenerse en condiciones, precisa de la supervisión de una persona. Jack lo toma como una oportunidad estupenda para poder concentrarse en la escritura de su nuevo libro, tras meses de inspiración ausente, por lo que se traslada allí con su mujer Wendy (Duvall) y su hijo Danny (Lloyd). Éste último, antes incluso de llegar al hotel comienza a tener unas extrañas visiones que no logra comprender, y que lo suelen dejar en un estado de semi-trance. Una vez instalados en el hotel, Jack intenta ponerse a escribir, pero la soledad del entorno y las extrañas historias de crímenes que ha oído acerca del anterior guardián le impiden concentrarse. De esta forma, deambulando por el hotel, comienza él también a sentirse invadido por extraños sueños y sensaciones que acaban derivando en un estado esquizofrénico muy peligroso.

"El resplandor" es una película que, por derecho propio, forma parte de la historia del cine de terror. Las secuencias destacables de este largometraje son de lo más abundantes: la escena de Jack con el hacha haciendo añicos la puerta tras la que se esconde su mujer, la aparición de una mujer joven y desnuda transformada en inesperada anciana dentro de la habitación 337, la inmersión del personaje de Jack en una fiesta celebrara a principios de silglo XX, los constantes paseos de Danny en su triciclo por el interior del hotel (donde ya podemos intuir que está a punto de suceder algo extraño), o la huida final a través de ese laberíntico jardín.

Se mire por donde se mire, "El resplandor" es una película excepcional, casi atemporal, con una puesta en escena milimétrica hasta el último plano, y con una caracterización por parte de Jack Nicholson simplemente insuperable. Aún sin haber leído la novela homónima de Stephen King en que se basa (he leído muchas otras del escritor, pero no ésta por miedo a una inevitable comparación con la película), estoy seguro de que el escritor norteamericano puede sentirse orgulloso de que una de sus más famosas novelas haya sido llevada al cine con una maestría que sólo un genio como el desaparecido Stanley Kubrick era capaz de plasmar.

• MR. HYDE DICE:

"¡Cariño, Jack está en casaaaaaa!" Ufff, qué acojone de película. No os exagero si os digo que, de todas las pelis de terror (y supuesto terror -léase sustos-) que he visto en mi vida, ésta sin duda es la que más canguelo me ha dado. Y mirad que me la vi en el vídeo de casa, a plena luz del día, y el otro idioma que no era castellano. Bueno, pues no quiero ni pensar que hubiera pasado si la llego a ver en el momento de su estreno, hace más de 30 años, y en el cine. Seguramente, que me hubieran hecho falta unos calzoncillos limpios para poder salir del cine.

"El resplandor" es el ejemplo perfecto de película que asusta gracias a, dentro de la ficción, el realismo de las situaciones que presenta. Con independencia de escenas un tanto fantasmales, es impresionante cómo el espectador es capaz de seguir a Jack Nicholson en ese especie de viaje hacia la locura, que no sabes muy bien cómo ha comenzado, pero del que te han hecho formar parte casi sin darte cuenta. Si a los cinco minutos el amigo Jack ya hubiera estado más loco que una cabra, la película no hubiera dado ni la mitad de yuyu. Pero, por suerte, ves cómo, poco a poco, van sucediendo cosas extrañas en ese pedazo de hostal, cómo el aislamiento y la soledad de ese paraje van haciendo mella en una persona con evidentes síntomas de esquizofrenia, hasta que el nivel de desquicie es tan insoportable que el pobre hombre acaba trastornado del todo.

Además, si te paras a pensar, estás enganchado a lo bestia desde casi el comienzo de la peli, y no te das cuenta de que has pasado más de dos horas con las uñas clavadas en tu asiento viendo una peli en la que prácticamente sólo aparecen tres personas. Por otra parte, Nicholson borda su papel gracias a, como decía antes, una interpretación en la que ves cómo va perdiendo el juicio cada minuto, desde que empieza a teclear como un poseso la misma frase en su máquina de escribir (acojonante la escena en que la mujer descubre que todas las páginas mecanografiadas dicen lo mismo una y otra vez, en distinto formato), y cómo eso afecta a su familia, desde su mujer (que flipa con las idas de olla del marido, y acaba por no soltar el cuchillo de carnicero ni durmiendo), y su hijo (las visiones que tiene de las niñas descuartizadas ponen los pelos de punta al más templado, por no hablar de ese torrente bestial de sangre que ve aparecer por la puerta del ascensor y las escaleras).

En fin, que "El resplandor" es lo que debería ser toda película de terror, así como toda adaptación de relatos de miedo del genio Stephen King (porque mira que han hecho mierdas como pianos al adaptar sus novelas de más canguelo -os juro que cada vez que recuerdo el destrozo que hicieron con una obra maestra del género literario de terror como es "It (Eso)", me entra una mala leche de aúpa-). La película es perfecta en cada uno de sus aspectos. Al fin y al cabo, tengamos en cuenta que no estamos hablando de una peli de esas en plan épico, sino de una de terror pura y dura, sin niños fantasmas japoneses que te salen por detrás, mientras la música te trona con un "ta-chán" de esos que hacen que el corazón te dé un vuelco, ni mamarrachadas parecidas.

Un consejo final: si queréis que el efecto de cagancho ya sea total, probad a verla por la noche y con las luces apagadas. Yo la volví a ver así con mi hermana (ella la veía por primera vez) y aún recuedo cómo brincaba la jodía y cómo me cogía del brazo diciendo "jo, qué miedo". Jejeje, qué cabroncete que soy...

ESTRENOS DE VIDEOCLUB: "MORNING GLORY"

TÍTULO: MORNING GLORY

DIRECTOR: ROGER MICHELL

REPARTO: RACHEL MCADAMS, HARRISON FORD, DIANE KEATON, PATRICK WILSON, JEFF GOLDBLUM

DURACIÓN: 107 min.

AÑO: 2010

GÉNERO: COMEDIA

• EL DR. JECKYLL DICE:

Cuando uno ve que en una misma película comparten cartel dos de los actores veteranos con más carisma del panorama hollywodiense, que se trata de una comedia romántica que promete hacerte pasar un rato de lo más agradable y divertido, que el director es el mismo que arrasó en taquilla con "Notting Hill - Notting Hill, 1999" -que, a mí, nunca me ha parecido ninguna maravilla, pero comprendo que tuviera su éxito entre cierto sector demográfico-, y que es una de las ofertas más atractivas de los estrenos en videoclub de la semana, pues confieso que no dudé en decantarme por sacarla de inmediato para disfrutarla en compañía de mi señora.

Ahora bien, cuando también es uno el que se da cuenta que ha pasado casi una hora y que la acción de la película parece más estancada que el barco de Chanquete (la comparación es de Hyde, pero me ha hecho gracia y se la he tomado prestada), que esos famosos actores carismáticos destilan de todo menos ese mismo carisma (además de ser meros secundarios desaprovechados, cuando se daba por hecho que eran los protagonistas), y que aún ni has sonreído, pues la decepción acaba imponiéndose por doquier, a pesar de que la película prometía más bien lo contrario.

"Morning glory" comienza con el despido de Becky Fuller (McAdams) del programa de televisión en el que trabajaba como productora ejecutiva, y logrando una nueva oportunidad en un puesto similar de otra cadena. Sin embargo, las malas cifras de la cadena le llevan a necesitar con estrellas de mayor pedigree que vuelva a generar el interés con el público. Por ese motivo, Becky decide que la huraña y casi histérica presentadora del programa matinal del que está al frente (Keaton) comparta espacio con un reputado periodista inactivo (Ford) que no sólo es un cascarrabias amargado, sino que se empeña en resultar borde a más no poder con quien quiera que se cruce en su camino.

Una de las mayores bazas con las que contaba a priori "Morning glory" era la de poder ver a Harrison Ford y Diane Keaton en plan bronca en mitad de un show televisivo, y de cómo era necesario lidiar con estas divertidas situaciones para poder hacer de dicho programa un rotundo éxito. Pero, repito, que esto era sólo lo que yo pensaba antes de ver la película. En realidad, la historia no es más que el calvario sin gracia que tiene que sufrir la pobre muchacha para sacar adelante el programa, desaprovechando de manera exagerada un jugo monumental que podría habérsele sacado a los dos veteranos actores.

El guión, lejos de resultar cómico, se limita a mostrar el día a día de los pormenores que suponen hacer un programa de televisión (algo así como hizo, con más fortuna, James L. Brooks en "Al filo de la noticia - Broadcast News, 1987"), sin a penas lograr que el público simpatice ni con Ford (éste convierte a su personaje en un repelente de cuidado), ni con Keaton, ni casi con McAdams. De hecho, hay un momento en que el personaje de Ford dice: "ya no soy lo que era, me he visto obligado a actuar en este circo" (más o menos). Bien, pues querido Harrison, no puedo estar más de acuerdo contigo. Lástima que un actor de tu talla, se encuentre limitado a películas muy inferiores como ésta, o como las que ha venido protagonizando a lo largo de los últimos años.

• MR. HYDE DICE:

Os prometo que cuando terminé de ver "Morning glory" pensé tres cosas. Por orden, fueron:

1) "¡Joder, qué viejo está Harrison Ford!"

2) "Menudo petardo de película"

3) "Menos mal que me la he visto cómodamente en el sofá de mi casa, porque si llego a pagar por ver esta patata en el cine, me da algo"

A partir de aquí, creo que ya sabéis por dónde va mi crítica de la peli. Por suerte, hay que agradecer que no es una mala película (las hay que, además de chorras, son patéticas de cojones), pero de ahí a que te guste, hay un buen trozo.

Da la sensación de que el pollo que se ha inventado la historia, y el director que la ha dirigido, han pensado que ya lo tenían todo hecho por haber contratado a dos actorazos como Diane Keaton y Harrison Ford, de forma que para qué esforzarse en más. Y ahí es donde la cagan a base de bien. Cuando vas al videoclub y ves que está disponible esta película, piensas que tiene que estar bien porque los actores son simpáticos, porque se trata de una comedia, porque el argumento tiene su gancho, y tal. Ahora bien, cuando acaba, lo único que tienes es la total convicción de que te han timado. Te preguntas dónde están las supuestas gracias que aparecen en el tráiler, qué ha sido del humor negro que esperabas encontrarte, y en qué huevos estaría pensando Harrison Ford para aceptar un papel en semejante parida (¡con la de porrones de millones que tiene que tener en colega en el banco, y perder tiempo y talento haciendo esto!).

Además, para más inri, el problema es que esa opinión no sólo la acaban teniendo los tíos (típico cuando se trata de comedias románticas o pastelorros de calibre semejante), sino que las mujeres acababan pensando lo mismo, que dónde estaba la comedia divertida y graciosa que esperaban ver. Vamos, que sin ser de esas pelis que ofende a la vista, ya os digo que ni de blas merece la pena pagar los 2 ó 3 euros y pico que cuesta alquilarla. En serio, aprovechad la noche del viernes yéndoos por ahí con los amigos a tomar algo, o viendo otra cosa por la tele (un documental de la 2 seguro que causa el mismo efecto de ni fú ni fa y, además, con un poco de suerte, os ayuda a dormiros antes).